Ghost in the Shell

• Datos técnicos: Japón. 1995. Director: Mamoru Oshii. Guión: Kazunori Itô (manga de Masamune Shirow). Música: Kenji Kawai.
• Argumento: Año 2029. En una enorme ciudad asiática, una cyborg policía investiga las siniestras actividades de un misterioso hacker que está invadiendo las autopistas de la información. 
• Mi opinión: después estas dos últimas reseñas del blog, podemos concluir que el 95 fue un año glorioso para el anime japonés. Thriller futurista cyberpunk, género caracterizado por una visión apocalíptica del futuro y una estética ochentera inconfundible (no dirigido a niños), GITS se considera una obra de culto en EEUU y Europa, lo que motivó la revalorización de su director en Asia. Aunque cada vez aparecen interpretaciones más sofisticadas sobre la película, la mayoría desmontadas por el propio director, la primera entrega de GITS pretendía acercar al gran público el complejo manga de Masamune Shirow, suavizando su vertiente filosófica. Al contrario de lo que se cree en Occidente, el anime no goza en Oriente de gran aceptación y se considera una simplificación de la literatura manga, mucho más respetada. Sin embargo, los iniciados pueden estar tranquilos con esta adaptación. El director bebe de las fuentes de la cultura occidental para crear su ciudad del futuro basándose en referencias clásicas como "Metrópolis" de Fritz Lang o "Blade Runner". Al igual que en "Angel's Egg", aparecen en este filme claras visiones cristianas que son negadas por el realizador, que las asocia al sintoísmo japonés; aunque sí reconoce algunas referencias bíblicas, libro que le fascinó por su exotismo. La banda sonora es excepcional, versionando temas clásicos occidentales, y ha impactado en grupos rock, electro-góticos o punk hasta el punto de incluir fragmentos de la película en sus videoclips con la intención de crear nuevas referencias visuales. La película también ha servido de fuente de inspiración  a la saga "Matrix". La influencia fue recíproca y la entrega de la película estadounidense de 2003 fue tomada en consideración por Oshii para la secuela "Ghost in the Shell 2: Innocence". En resumen, GITS  es una película que marcó escuela, por lo que resulta ineludible para los amantes del cine fantástico asiático.
• Recomendaciones: ver las secuelas de GITS, que yo tengo pendientes, y os enlazo dos links. El primero, una entrevista a Oshii de Juan Zapater y Blanca Oria con motivo del estreno del remake de la película (http://www.youtube.com/watch?v=ahBJPn19_E0). El segundo, la canción "Her liquids arms" del grupo darkware Diorama que utilizó escenas de la película para promocionar su disco del mismo nombre (http://www.youtube.com/watch?v=De5yLNOf78o). 

Susurros del corazón

• Datos técnicos: Japón. 1995. Director: Yoshifumi Kondo. Guión: Hayao Miyazaki.
• Argumento: Shizuku Tsukishima es una adolescente aficionada a la lectura que tiene como plan pasar sus vacaciones de verano leyendo en la biblioteca y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, sus planes dan un giro cuando descubre que hay un mismo nombre, Seiji Amasawa, en las fichas de los libros que coge en la biblioteca. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que le llevará a la tienda donde Seiji trabaja como aprendiz de luthier. 
• Mi opinión: una maravilla, perfecta. Y ya está... qué no!!! Voy a soltar el rollo. "Susurros del Corazón" está dirigida por Yoshifumi Kondo, aprendiz de Hayao Miyazaki, y es uno de los clásicos del anime japonés aunque aquí es más bien poco conocida (de hecho en España se comercializó directamente para la venta particular). El director falleció justo después del estreno de "La princesa Mononoke" (ya reseñada en este blog), a causa de un aneurisma probablemente provocado por un exceso de trabajo. La prematura muerte de Yoshifumi Kondo representó el más terrible revés que ha sufrido Ghibli. Llamado a conformar, junto a Takahata y Miyazaki, la base de los estudios Ghibli, Kondo alcanzó la perfección en esta película. De no ser porque la historia nos es narrada con los dibujos naïf característicos de Ghibli, y el recelo injustificado que ello provoca en los críticos, seguramente habría sido reconocida como una de las mejores comedias románticas de todos los tiempos, ya que sin caer en el sentimentalismo narra con gran delicadeza la importancia del primer amor y del despertar al mundo adulto. Pueden percibirse en esta joya del cine ecos de David Lean, Douglas Sirk y Max Ophüls. Esta película explota todo el universo clásico de Ghibli con sus colores pastel, su luminosidad, su reflexión sobre la madurez y la infancia... pero a diferencia de otros títulos del estudio, el universo mágico queda bien definido como las ensoñaciones poéticas de una adolescente y su nexo de unión con la realidad es, al igual que ocurre en otras películas de Miyazaki, un animal que en este caso es un rollizo gato sin nombre. Y todo ello amenizado con una estupenda banda sonora con notas country. Una obra maestra sobre el despertar de los talentos creativos enmascarada como una historia de amor adolescente, pero de profunda hondura adulta. Pura magia, amor puro.
• Recomendaciones: me quedo con dos escenas de la película. La primera, el encuentro de la niña con el gato en el tren y la persecución posterior (que me hicieron recordar a cierta extranjera persiguiendo a un gato por los Jardines de Versalles, aunque la historia acabó de distinta manera...). La segunda, los protagonistas (y sus maravillosos dobladores españoles, por qué no decirlo) cantando "Country Roads", os dejo el link por si no conocéis la canción... http://www.youtube.com/watch?v=oN86d0CdgHQ ¡¡¡Y no dejéis de ver la película!!!

Death Note Relight

• Datos técnicos: Japón. 2009. Director: Shusuke Kaneko. Guión: Takeshi Otata, Tsugumi Ooba. 
• Argumento: Cuando el Shinigami Ryuk deja abandonado un Death Note en el mundo de los humanos, no puede imaginar lo que su decisión va a acarrear. Light Yagami, el joven que descubre este cuaderno con el que puede acabar con quien lo desee, se plantea primero hacer justicia pero, el tener el poder de un dios, acaba por hacer que se vaya corrompiendo, que abuse de su situación y que acabe con todo aquél que se le oponga. Sólo un individuo se resiste a su poder, L, el mejor detective del mundo. Pero la astucia de los contrincantes hace difícil la supervivencia de ambos.
• Mi opinión: más que por la película en sí, que no es más que un ambicioso resumen de los enfrentamientos entre L y Kira en la primera temporada del anime, me he decidido a hablar de ella para presentar a los que no lo conozcan el que yo considero uno de los mejores animes-mangas o historia en general de todos los tiempos. El proceso del fenómeno Death Note ha ido en progresivo aumento desde que en 2003 se creó un manga que acabó ocupando doce volúmenes y ciento ocho capítulos, hasta que se adaptó al anime, en 37 episodios, y al cine, en tres películas de live action. Además se han editado un par de novelas y varios videojuegos, a los que hay que añadir los miles de “Cuadernos Negros” que se han comercializado en todo el mundo. Sus cifras son impresionantes, y las repercusiones a nivel mundial también: desde legiones de fans hasta prohibiciones por parte de las autoridades de la República Popular China e incluso crímenes o imitaciones en Europa o EEUU. Y es que, siempre manteniendo la cordura, este relato (ya sea en su versión escrita o animada, y más dudosamente en  las películas live) es fascinante desde el minuto 0 hasta, como me ocurrió a mí, 2 semanas después cuando acabas de leerlo o verlo del tirón y a cambio de numerosas horas de sueño. Perfectos personajes, maravilloso dibujo, increíble banda sonora, trepidante historia... Un relato que además de entretener, y muy bien, nos lleva a reflexionar sobre el uso o abuso del poder, todo ello aderezado con el componente fantástico del mundo de los muertos y fantasmas japoneses. Acción, misterio, humor, amor, intriga, fantasía, miedo, terror... todos los géneros y más reunidos en un solo producto. Y refiriéndonos en concreto a "Death Note Relight", tuve la suerte de verla en el cine en el FAN 10 y si la serie me había cautivado, poder disfrutar de DN en pantalla grande fue simplemente orgásmico. Con "Death Note Relight" se da una vuelta de tuerca al relato original y a sus protagonistas. La novedad que plantea esta película es que se adentra en los orígenes de la historia cambiando al narrador. Ahora es el shinigami Ryuk el que analiza lo que significa darle a alguien el poder de hacer justicia entregándole las páginas en blanco de este cuaderno de la muerte. Una reflexión más filosófica si cabe, acompañada de una nueva banda sonora mejor aún y con escenas añadidas al final, ¡y qué final!
• Recomendaciones: para todos aquellos que no conocen la serie y no quieren tragarse todo el anime, es una buena opción. Pero esto es como los medicamentos, debo de advertir que provoca adicción y es posible que quien la vea acabe enganchado a toda la saga. He avisado. 

Angel's Egg (Tenshi no Tamago)

• Datos técnicos: Japón. 1985. Director: Mamoru Oshii. Productor: Yasuyoshi Tokuma. Música: Yoshihiro Kanno.
• Argumento: Una extraña niña custodia un huevo hasta que aparece un joven guerrero con un artefacto sobre el hombro, que parece muy interesado en el huevo y comienza a seguirla allá donde vaya. A pesar de la manifiesta desconfianza entre ambos, permanecerán juntos hasta el desenlace.
• Mi opinión: película de culto en Japón, Oshii desata aquí toda su fantasía, creando sorprendentes paisajes postapocalípticos con toques surrealistas que nos sumergen en un mundo inquietante, desolador, oscuro... La película cuenta tan sólo con dos personajes principales, la niña y el hombre, acompañados por grupos secundarios que ofrecen una lectura no individualista, como rebaños humanos que se comportan según lo que se espera de la masa. Los diálogos son muy escasos y se centran en la pregunta ¿Quién eres?, que se lanzan mutuamente los protagonistas; de hecho, la mayor parte de las veces, lo que éstos dicen en vez de aclarar la historia abre más interrogantes en la mente del espectador. El director opta por centrar el pulso narrativo en las evocadoras imágenes, que se encuentran a caballo entre las obras de Dalí y los grabados del siglo XIX. A pesar de que la película está claramente enfocada al público occidental debido a que las referencias bíblicas, especialmente al Arca de Noé, son constantes (así como la semejanza que podemos establecer entre el guerrero que parece cargar una cruz sobre su hombro o la asimilación de la niña con una virgen María encinta, inocente pero fuerte y decidida), el filme mantiene el clásico ritmo lento del cine nipón. Pero, ¿de dónde ha salido el huevo?¿dónde lo encontró la niña?¿qué hay dentro?... todas esas preguntas y más se quedan sin respuesta pero, como el mismo director dice, ¿por qué todas las preguntas deben ser contestadas? La maravillosa música contribuye a aumentar este halo de misterio y ayuda a resaltar los momentos álgidos del filme. Evocación, religiosidad, misticismo... Todo ello y más en una película imprescindible para los iniciados en este género. Una curiosidad, no sé por qué (y tal vez deba quedarse sin respuesta) esta película me ha hecho recordar un fantástico libro que marcó mi infancia y que aún de vez en cuando vuelvo a leer: "La princesa y los trasgos" de George MacDonald. Nada tienen nada que ver, pero algo compartirán, algo que no consigo adivinar. Misterio.
• Recomendaciones: ver la película al menos un par de veces, en la segunda revisión se descubren muchos más símbolos y referencias sorprendentes. Y leer "La princesa y los trasgos".

YFC 2011 Paris

Hola de nuevo! Sé que llevaba mucho tiempo sin escribir pero estos últimos meses han sido agotadores: fin de curso, exámenes, reclamaciones, llantos, preparación del viaje a Paris... no he tenido tiempo para nada más! Así que ahora que las aguas han vuelto a su curso me he propuesto firmemente recuperar el ritmo de escritura del blog. Y para re-empezar, un comienzo original: el reporte de un concierto en vez de una recesión de una película!
Pues sí señores, he pasado 17 días maravillosos en Paris, recopilando información para la tesis, haciendo turismo, visitando muchos cines y, como broche final, un concierto de GACKT en la sala Le Bataclan. Entiéndase que soy una fan del cantante y, como tal, espero se me perdonen algunas estridencias y poco rigor, no acorde con el resto del blog. Vaya esto por delante.
Parece correcto decir que GACKT ha equivocado su estrategia en su gira 2011 por Europa. Si bien el año pasado vendió todas las entradas y dejó a gente con las ganas, esta vez las ventas han sido muy bajas. Aún quedan entradas para todos los conciertos y eso se nota en el ambiente. Tanto es así, que nosotras pasamos hasta 4 veces por delante de la "cola" antes de decidirnos a ponernos en ella, y esto lo hicimos apenas dos horas antes del concierto y empujadas más por nuestra conciencia que por la necesidad de tener un buen sitio, ya que apenas había 150 personas por delante (vamos, he visto más cola en la puerta de una crepería de prestigio...) En fin, una espera bastante corta y amenizada por góticos, lolitas, visualkeis y demás fauna común en estos conciertos, además del camión del merchan y las aterradoras subidas de los pobres japos, que parecía que estaban escalando el K2 cada vez que tenían que acceder al camión... temimos varias veces por la vida de los miembros del staff, pero no hubo que lamentar pérdidas... Como siempre que hago cola en Paris, llovió pero esta vez fue muy moderado... (no como la granizada-tormenta-de 3 horas de la SMTown!).
Total, que a las 19:05 abrieron las puertas de la sala y, con una tranquilidad envidiable, accedimos al recinto, subimos al palco y: primera decepción! Habían vendido sólo un tercio de las entradas de asiento y dos tercios del palco estaban cerrados!!! los dos tercios más próximos al escenario!!! el asunto nos jorobó un poco, la verdad, pero bueno... no luchamos mucho, debíamos habernos contagiado del espíritu de pasividad parisino... mirar al foso era desolador: no estaba ocupado ni la mitad y en algún momento temimos hasta que GACKT no saliese a escena... pero no!
A las 20:10 empezó a dar la matraca el negro del año pasado volviendo a ponernos verdes y a decir toda clase de fuck, motherfucker, etc... que no vienen a cuento y a mi me pone de los nervios... la misma mierda del año pasado... y comenzaron a salir los miembros de la banda!!!! y finalmente el Jon y GACKT... la música empezó, las guitarras y batería se oían de p.m.... tan de p.m. que no se oía a los cantantes!!!! era casi imposible escuchar la voz de Gackt, que estaba además bastante flojo (no sé si por la falta de público o qué!!!). Pues nada, que sabíamos que estaban cantando cuando dejaban de tocar los músicos. Gackt y el Jon se repartían las canciones a partes iguales y las primeras fueron en su mayor parte inéditas... el público no estaba muy entregado: entre que no sé oía y la sosería de serie francesa...
Hasta que llegó la canción mariquitingui!!!!!!!!!!!!!!! No sé calificarla de otra forma... parece que los del sonido comenzaron a pillarle el truco al asunto y de repente a GACKT se le fue la cabeza y empezó a bailar y moverse con su gracia característica! Una canción popera bastante floja respecto a las demás pero con una coreo estilo Locomía-George Michael en sus buenos tiempos que no tiene nombre!!!! Gracias GACKT por estos momentos!!!! volvimos a los buenos recuerdos de los gatitos! Muy gracioso e increíblemente sexy!
La voz de GACKT mejoró horrores desde ese momento, el público se revolucionó por fin y Anabel y yo dejamos de ser las chillonas del palco para camuflarnos en los gritos de la mayoría... y en ese momento: VANILLA!!!!!!! genial!!! en clave rockera!!! momentazo!!! mucha ilusión!!! disfrute!!! y G entregado al público... a partir de ahí, mezcla de canciones nuevas y viejas y bailoteo y disfrute!

• EL JON: bueno, este muchacho se merece su propio apartado. El chico (que si Cris es clavaíto a Ben Stiller, eso lo dice todo... Ben Stiller haciéndose el rockero duro...) ponía todo de su parte... se partía el alma, se desnudaba si hacía falta, saltaba, se echaba hacia el público, bailaba (con menos arte que el propio G), y ponía caritas y morritos... pero la cosa no funcionaba... cuando cantaban a dúo al pobre no se le oía un pijo... y en el escenario no tenía presencia... vamos, que la mitad del tiempo se lo pasó apoyándose en la espalda de G y dejando que el público adorase al otro... Mi consejo: Jon hijo, cómete unos cuantos chuletones, sigue practicando, pero nunca más vuelvas a cantar con alguien como G simulando estar al mismo nivel... y quítate los leotardos por Dios!!
• GACKT: muy flojo de voz, pasó todo el concierto medio ronco... qué te pasa G? qué le ocurre a tu chorro de voz!? ánimo, vuelve a tus orígenes, déjate de la influencia europea y del inglés... queremos al G japonés!! y dale al movimiento de caderas... dale, dale Don dale...
• el resto del grupo: YOU estupendo, Chacha es un crack!!!! despedida prolongada incluida... los otros, ni se les ve y parecen sacados del Bronx de Tokio...
• lo mejor: momentos memorables como Vanilla en directo y me quedo con el momento en el que en el foso se oyó un clarísimo: Tío Bueno!!! contestado inmediatamente por mí con un: Macizo!!! esa es la casta española!!!
• lo peor: el sonido, los falsetes de G, los fuck, fuck, fuck... y la media hora dejando que el público se desgañitase en vez de cantar... es un concierto de escasa hora y media eso no se hace señor G.

Air Doll

• Datos técnicos: Japón. 2009. Director: Hirokazu Kore-Eda. Intérpretes: Bae Doona, Arata, Itsuji Itao, Joe Odagiri. 
• Argumento: Una muñeca hinchable de tamaño natural vive en un modesto piso de Tokio. No habla ni se mueve. Pero es la única compañera de su amo, un hombre de mediana edad. Él le habla, la baña y le hace el amor cada día cuando vuelve del trabajo. La rutina diaria se rompe cuando la fantasía se hace realidad. De pronto, cobra vida y tiene alma. Acaba de nacer y no entiende lo que ocurre a su alrededor, aunque se da cuenta de que existe un mundo esperando a ser explorado más allá de las paredes del piso. Con el tiempo se atreve a salir al mundo exterior, se siente fascinada por todo lo que ve. Conoce a muchas personas de todo tipo he intenta comprender el significado de "estar vivo".
• Mi opinión: inclasificable y asombrosa película que puede ser una de las mejores obras del cine fantástico nipón de los últimos años. El director se basó en una historieta de poco más de veinte páginas del conceptualista mangaka Yoshiie Gôda, titulada "La figura neumática de una chica" y publicada por Shogakukan en febrero de 2000. A primera vista, la película puede parecer una historia de amor, pero esconde preguntas acerca de la naturaleza humana: ¿Pueden las personas llenar su propio vacío? ¿Cuál es el significado de la vida? ¿Qué es un ser humano? Los lenguajes orientales ofrecen una riqueza de interpretaciones gracias a la asociación de ideogramas que no están presentes en nuestra cultura. Así, el simple título de la película, "Air Doll", es una bella metáfora que explica el argumento de la misma. Kûki Ningyô e traduce como muñeca de aire. Ningyô se podría entender como muñeca o marioneta. Pero los dos primeros kanjis, esto es, kûki pueden descriptarse así: en primer lugar Kû puede referirse al cielo o al vacío, mientras que ki significa literalmente espíritu. Por lo tanto, si cogemos el significado de vacío y lo unimos al de espíritu obtenemos aire o atmósfera. Pero también implica que el aire o Kûki llene el vacío de la muñeca inanimada para que consiga alma. Una subyugadora película en la que tienen cabida la tristeza, el amor, la crueldad y las fantasía más elaborada con un dramático final que me ha recordado a la tan maravillosa "El imperio de los sentidos". Bellas imágenes, delicados movimientos de cámara, palabras poéticas y entrañables secundarios (como el anciano o el fabricante de muñecas) para una reflexión profunda y conmovedora acerca de la soledad.
• Recomendaciones: un poema de Yoshino Hiroshi titulado "La vida es": 
• 生命は
  seimei wa
  
  自分自身だけでは完結できないように
  jibun jishin dake de wa kanketsu dekinai youni
  つくられているらしい
  tsukurareteiru rashii
• 花も
  hana mo
  めしべとおしべが揃っているだけでは
  meshibe to oshibe ga sorotteiru dake dewa
  不充分で
  fujuubun de
  虫や風が訪れて
  mushi ya kaze ga otozurete
  めしべとおしべを仲立ちする
  meshibe to oshibe wo nakadachi suru
  
  生命はすべて
  seimei wa subete
  その中に欠如を抱き
  sono naka ni ketsujou wo idaki
  それを他者から満たしてもらうのだ
  sore wo tasha kara mitashite morau no da
  
  私は今日、
  watashi wa kyou,
  どこかの花のための
  dokoka no hana no tame no
  虻（あぶ）だったかもしれない
  abu datta ka mo shirenai
  そして明日は
  soshite ashita wa
  誰かが
  dare ka ga
  私という花のための
  watashi toiu hana no tame no
  虻であるかもしれない
  abu de aru ka mo shirenai
• La vida parece estar construida de forma que nadie pueda vivirla solo.
• A una flor también
  le es insuficiente
  que sólo tenga su pistilo y sus estambres,
  llegan los inscectos o el viento
  e intervienen entre su pistilo y sus estambres.
  
  Todo ser vivo
  tiene alguna carencia dentro de él
  y eso lo suplementa con ayuda de los demás.
  
  Es posible que
  hoy yo halla sido un tábano
  para alguna flor en algún sitio
  y que manaña
  alguien sea
  un tábano para la flor que soy yo.

La princesa Mononoke

• Datos técnicos: Japón. 1997. Director: Hayao Miyazaki. Productor: Toshio Suzuki. Música: Jō Hisaishi. 
• Argumento: con el fin de curar su herida provocada por un jabalí maldito, el joven Ashitaka sale en busca del Espíritu del Bosque, pues sólo él puede liberarle del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre la lucha de los animales del bosque contra los hombres dispuestos a destruir la naturaleza.
• Mi opinión: cerramos el mes dedicado a Miyazaki con la que considero es su película más madura desde el punto de vista narrativo, creando unos personajes tremendamente complejos y con una reflexión final sobre el pesimismo, la violencia, la ambición, el amor... todo desde una perspectiva más cercana a la realidad. Porque debemos admitir que en la vida las acciones tienen sus consecuencias pero no todos los errores son castigados, que el amor no siempre triunfa y a veces la diferencia entre dos mundos es irreconciliable, y que la belleza puede conducir a la destrucción pero en la desgracia también se puede hallar hermosura. De hecho, esta película se aleja de los límites considerados popularmente como animación infantil. Aunque si habéis tenido la oportunidad de leer los cuentos originales de los hermanos Grimm, poco tienen que ver con los edulcorados espectáculos de Disney, y estaban destinados a los niños. En ellos hay hostilidad, violencia, muerte, desasosiego, maldad y horror. Y la mayoría de las veces, al igual que ocurre en esta película, no podemos identificar personajes arquetípicos o simplistas que representen el bien o el mal. Como en la vida misma, siempre hay motivaciones ocultas y matices en las personas y sus acciones. Sin embargo, no me atrevo yo a decir que esta película no es para niños, ¿por qué no? ¿Acaso debemos mostrarles un mundo distorsionado en el que sólo hay buenos y malos? Los cuentos populares tenían una intención muy clara, mostrar la crueldad de la vida a los niños para que extrajesen una moraleja y supieran enfrentarse a las dificultades de la vida adulta. ¿Hacemos bien en eliminar esos aspectos?¿Estamos educando o sobreprotegiendo? No puedo yo responder a esto, al igual que la película de Miyazaki, dejó preguntas huérfanas, incómodas... 
• Recomendaciones: seguir el camino que nos marca la película de reflexión interior. Ahí es nada.

Nausicaä del Valle del Viento

• Datos técnicos: Japón. 1984. Director: Hayao Miyazaki. Productor: Isao Takahata. Música: Joe Hisaishi.
• Argumento: 1.000 años después de una guerra mundial catastrófica, la humanidad sobrevive a duras penas a orillas de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. El Valle de Viento es un reinado minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Nausicaä es la princesa del Valle del Viento y única hija del rey; gran piloto y guerrera, es también compasiva y solícita; trata de encontrar un sentido del bosque contaminado y se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles con los que tiene una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, al mando de la princesa Kushana, invade el pueblo e intenta revivir a un mortífero "Dios de la guerra", de los tiempos de la gran guerra, para triunfar contra sus enemigos y contra el bosque contaminado.
• Mi opinión: Nausicaä es la primera película que Miyazaki dirigió en los Estudios Ghibli y, a pesar de que ya había hecho otras, en ella sienta las bases conceptuales, prototípicas y artísticas que distinguen su filmografía. A pesar de que data de 1984, tuve el honor de asistir a su estreno en España que se produjo el 7 de mayo de 2010 dentro del ciclo de cine organizado por FAN en Pamplona (oye, algo tenemos en esta tierra además de los Sanfermines!) y me enamoré de ella. Por supuesto, debo decir que ya había disfrutado de posteriores películas de Miyazaki, que se había convertido en un referente para mi, pero en ésta se puede respirar la espontaneidad, la frescura y en cierto modo la ingenuidad que destilan todas las obras noveles (en donde los directores muestran un desparpajo que va desapareciendo con las obras más tardías, que al mismo tiempo suelen estar más pulidas y posiblemente más redondas y brillantes). La película se basó en un manga homónimo del propio director de 1982. Para crear el personaje de Nausicaä, Miyazaki se inspiró en La princesa que amaba a los insectos, una antigua leyenda nipona de 1271. La película fue realizada por animadores pagados por fotograma realizado. Uno de los más notables fue Hideaki Anno, que luego sería el director de "Neon Genesis Evangelion". Anno fue asignado a la escena del ataque del Dios Guerrero, que de acuerdo a Toshio Suzuki es un momento álgido de la película. La estructura de personajes en tres niveles que mencionamos en la reseña anterior se muestra por primera vezy de manera muy clara en esta película. En primer lugar tenemos a la gran heroína Nausicaä (la única que se afana en buscar una solución a la contaminación del planeta mediante el diálogo con la Naturaleza herida, oponiéndose a las ansias conquistadoras y destructivas del resto de pueblos supervivientes), al Príncipe Asbel (compañero de edad similar y sexo opuesto) y al Maestro Yuppa (el profesor o guía, un aventurero que viaja por la zona contaminada en busca de una solución y que aleccionó a Nausicaä cuando era niña). En un segundo nivel están los personajes secundarios, representando cada uno una cualidad muy determinada (como la ambición representada por la Princesa Kushana, o la fidelidad de Krotoa). Y el el tercer nivel aparece la Naturaleza (en esta película de manera muy explícita) representada por los insectos que están vinculados a Nausicaä por un acontecimiento que ocurrió en su infancia. La predestinación es un rasgo único de este film y que no volverá a aparecer en ninguno de los personajes del director. Destacan, como en las anteriores, los ingenios tecnológicos ideados por Miyazaki y en especial el mehve, un planeador monoplaza que Nausicaä utiliza para desplazarse ya que es una gran conocedora del viento, tanto de su dirección como cambios y situaciones de bolsas de aire. Señor Miyazaki: ¡yo también quiero un mehve! Y no podemos olvidar a Tetto, una ardilla-zorro mascota de la princesa. Me conmovió sobremanera la escena final: la abnegación, la generosidad absoluta de la protagonista frente a la ambición, el egoismo y la codicia de los seres humanos por los objetivos materiales. Muy impactante.
• Recomendaciones: a disfrutar y listo! Por cierto, me encanta que me dejeis comentarios con vuestras opiniones, no sólo de las reseñas sino también de las películas cuando la hayais visto o revisto!

El viaje de Chihiro

• Datos técnicos: Japón. 2001. Director: Hayao Miyazaki. Productor: Toshio Suzuki. Premios: Premio Óscar a la mejor película de Animación (en el 2002), Festival Internacional de Cine de Berlín: Oso de oro a la mejor película, Mejor película en los premios de la Academia de Cine de Japón, Mejor película Asiática en los Hong Kong Film Awards, 4 Premios Annie: Mejor película, mejor dirección, mejor música y mejor guión en una cinta de animación, Mejor película de animación en los premios de la Asociación de Críticos Americanos (BFCA)...
• Argumento: Chihiro y sus padres se habían visto obligados a mudarse a otra ciudad. Mientras que su padre conduce, toman un atajo por el cual se pierden internándose en un bosque que terminaba frente a un edificio con un gran y extraño túnel en su interior. Del otro lado del túnel descubren un pueblo aparentemente abandonado; los padres deciden ir a mirar, encontrando así un restaurante vacío, en el cual se quedan a comer. Por otro lado, Chihiro se aleja de ellos para investigar la ciudad. Cuando comienza a anochecer, un chico misterioso llamado Haku aparece y le ordena a la niña que se marche de allí con sus padres antes de que anochezca. Chihiro corre en busca de sus padres, mientras que al caer la noche toda la ciudad cobra vida, encendiéndose los faros y apareciendo seres de formas extrañas, similares a los yōkai; pero para su sorpresa y horror, sus padres han sido convertidos en dos enormes cerdos. Atemorizada, Chihiro es llevada por Haku secretamente a una casa de baños termales dirigida por la bruja Yubaba, donde el joven le dice que debe conseguir un trabajo allí hasta que él pueda ayudarle a recuperar a sus padres y a escapar. Así pues, con varios amigos que hace en el transcurso de la historia, Chihiro inicia una gran aventura para poder rescatar a sus padres.
• Mi opinión: continuando con nuestro homenaje a Miyazaki, esta semana he tenido la suerte de revisar una auténtica obra maestra del cine (de animación, si se quiere). "El viaje de Chiriro" es un desbordante ejercicio de imaginación del director, un espectáculo de inspiración torrencial de más de dos horas de ritmo trepidante, gracias a un fantástico guión que hace que la película se pase en un suspiro. "Belleza, poder, misterio y, por encima de todo, corazón.", así la calificaba James Cameron. Dulce, entrañable, tierna al mismo tiempo que terrible y estimulante, merece la calificación de clásico, que pocas películas alcanzan en nuestros días. E incluso es educativa, ya que el valor del trabajo se presenta como medio para superar los problemas, formar el carácter y demostrar el valor frente a las adversidades. Los personajes, inolvidables de nuevo, se estructuran en tres niveles: la protagonista Chihiro, con su compañero de sexo opuesto y misma edad Haku, y los personajes adultos de Yubaba (malvada, codiciosa, opresora) y su mitad complementaria en la figura de su hermana gemela Zeniba (bondadosa, comprensiva, cariñosa) que forman un juego de reflejos y dualidades. El segundo nivel formado por los secundarios que representan cada uno una cualidad que contribuye a configurar la personalidad del héroe. Y el tercer nivel, más difuso, de la identidad personal que entronca con el tema recurrente en la filmografía de Miyazaki de una sociedad que ahoga la esencia de los hombres en un mar de materialismo. Podemos rastrear estos tres estratos en todos los filmes que trataremos este mes. De hecho, la cuestión de la identidad es el eje argumental de la historia, ya que Yubaba domina a los demás robándoles su verdadero nombre. De esta forma, el director expone una verdad universal: si olvidas tu nombre, ¿cómo puedes saber quién eres en realidad?. De nuevo aparece aquí el viaje del héroe, que ya expusimos en la reseña anterior, y el factor ecologista, que aquí se manifiestan con una preciosa metáfora (ATENCIÓN, SI NO HAS VISTO LA PELÍCULA, NO SIGAS LEYENDO). Haku ayuda a Chihiro recordándole su nombre, pero se produce un espejo cuando Chihiro ayuda a Haku a recuperar su verdadera identidad al recordar como de pequeña estuvo a punto de ahogarse en el río Kohaku pero la corriente la salvó. Después de varios años, es ella quien salva al río que había olvidado su nombre al ser secado para la construcción de edificios. Es decir, el progreso mal entendido eliminando la naturaleza termina por borrar la identidad del hombre. Precioso.
• Recomendaciones: además de las ya aconsejadas en la reseña de "El castillo ambulante", os insto a que disfrutéis de la maravillosa música de Joe Hisaishi y Yumi Kimura. Y como divertimento podeis fijaos en el papel relevante que de nuevo tienen los elementos de comunicación vertical (en este caso tanto las escaleras como los ascensores) como metáforas de la superación personal.

El Castillo Ambulante

• Datos técnicos: Japón. 2004. Director: Hayao Miyazaki. Montaje: Takeshi Seyama. Dirección artística: Yôji Takeshige y Noboru Yoshida.
• Argumento: Sophie trabaja sin descanso en su tienda de sombreros. En uno de sus poco frecuentes paseos por la ciudad, Sophie conoce al mago Howl. Éste es un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. Sin embargo, a Sophie le da la impresión de que Howl esconde algo… El encuentro entre Sophie y Howl no ha pasado desapercibido para la Bruja del Páramo, quien odia visceralmente a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, haciéndose pasar por una clienta, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana que no puede revelar su verdadera identidad. Sophie se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. El mago vive en un castillo mágico que tiene la peculiaridad de trasladarse a voluntad de su dueño. Sophie se adentra en lo desconocido, en busca del castillo ambulante de Howl.
• Mi opinión (Hayao Miyazaki): iniciamos con esta película un nuevo mes temático, dedicado esta vez al genial Hayao Miyazaki. He decidido comenzar con este título ya que fue el primero que vi de su filmografía, lo que le otorga un cariño especial por parte de quién os escribe. El director debe estudiarse como un caso particular dentro del anime, convirtiéndose en un director de culto gracias a los filmes producidos en sus Estudios Ghibli. Su singularidad radica en la búsqueda de la belleza casi pictórica, la construcción de una realidad alternativa naïf, de tintes ecologistas y coloreada en unos maravillosos tonos pastel. Sus largometrajes deben considerarse como una "obra de arte total" mediante la participación de pintores, escultores o diseñadores. Sin embargo, sí algo destaca en todas las películas del director es el viaje de maduración del héroe, como muy bien analiza Miguel Ángel Oeste en su artículo "Aproximaciones al héroe en el cine de Hayao Miyazaki", cuya lectura os aconsejo. Así, el protagonista de cada film, que casi siempre es femenino, realiza un viaje similar al de los héroes mitológicos, dividido en tres etapas. La primera es el comienzo del viaje iniciático mediante la ruptura con la rutina cotidiana, que produce cierto adormilamiento, con la irrupción de lo fabuloso o sobrenatural. En la segunda, el héroe se ve obligado a superar obstáculos y contrariedades gracias a su fuerza de voluntad, a la vez que intenta crear un equilibrio entre el mundo real anterior y el fantástico en el que ahora se ve inmerso, hasta llegar a la tesitura final. Por último, el protagonista conseguirá superar esta prueba máxima anteponiendo el bien colectivo al suyo propio, y desprendiéndose de su yo anterior, la cotidianidad, para abrazar ese nuevo mundo poblado de interrogantes.
• Mi opinión (El Castillo Ambulante): Tras en encuentro con la Bruja del Páramo, la anteriormente apocada y aburrida Sophie, se trasforma en una enérgica y segura de sí misma anciana decidida a cambiar su destino. Así, el inevitable viaje físico es también un viaje mental que permitirá a Sophie conocerse mejor a sí misma y sacar a la luz sus verdaderas cualidades. Es delicioso el choque entre la bondadosa y fea anciana y el superficial, hermoso y narcisista mago, que deberán unirse para superar sus problemas y mostrar su auténtico yo. Todos los personajes secundarios son inolvidables: el espantapájaros mudo y servicial, el demonio Calcifer, la creída Bruja del Páramo, el perro viejo y sarnoso... Hay dos escenas que me parecen sublimes. La primera es el encuentro inicial entre Sophie y Howl, con el vuelo por los tejados de la ciudad. Pocas escenas hay tan sensuales consegidas con tan pocos recursos, incluso en los filmes con personajes de carne y hueso. La segunda, el ascenso de las eternas escaleras del palacio real. Una escena redonda, maravillosa, perfecta. Tampoco debemos olvidar la imaginería técnica de Miyazaki. Él quiso estudiar ingeniería aeronaútica y esto está muy presente en el derroche de inventiva que impregna los diseños de los aviones y barcos, que en esta película tienen especial peso al desarrollarse en mitad de un conflicto bélico. En resumen, una maravilla estética, fascinante, con personajes llenos de matices que luchan por el amor bucólico de colores suaves en medio de la oscuridad de la devastación del desarrollo humano.
• Recomendaciones: si queremos disfrutar de las películas de Hayao Miyazaki debemos realizar el mismo viaje que sus héroes, esto es, desprendernos de las normas y aprender a aceptar lo fantástico. Mantengamos la mente abierta, como los niños, sin sorprendernos de que la magia se esconda a la vuelta de la esquina. 

The Ring

• Datos técnicos: Japón. 1998. Director: Hideo Nakata. Intérpretes: Nakato Matsushima, Hiroyuki Sadana, Miki Nakatani, Yuko Takeuchi.
• Argumento: cuatro jóvenes han muerto después de ver un vídeo y, tras el final del mismo, recibir una llamada en la que se les anunciaba su muerte en una semana. Reiko, tía de una de las víctimas, investigará junto a su exmarido Ryuji la procedencia del mismo, lo que les llevará a conocer la existencia de Sadako, una chica cuya desaparición fue un tanto extraña.
• Mi opinión: "The Ring" fue la película que inició el boom por el cine de terror asiático a finales de los 90. Aunque consiguió que corrieran ríos de tinta sobre la misma a nivel nacional e internacional, nunca la había visto hasta ahora... y me ha encantado. Sobria y soberbia puesta en escena, el valor de la película reside en la capacidad de su director para redefinir el género de las kaidan eiga (películas de fantasmas) de los años 70, creando una nueva escuela. Nakata aprovechó la adaptación al cine de la primera novela de Koji Suzuki sobre Sadako (personaje que se ha erigido como figura de culto entre la población nipona) para dar un toque renovado y personal tanto a la composición narrativa como estilística de los antiguos films japoneses de fantasmas. De hecho, la película fue un fenómeno inaudito de explotación comercial, que traspasó fronteras y permitió la aparición de un nuevo cine de terror que sirvió como molde para toda una generación de cineastas, asiáticos y occidentales. Magnífica, perfecta.
• Recomendaciones: si no sientes escalofríos es que ya estás muerto. Eso reza el lema de la película. Y yo debo de estar muerta. Apreció su puesta en escena, su cuidada iluminación, sus perfectamente insertados efectos especiales, su música, sus giros argumentales y el inesperado final. He de reconocer que algunas de sus imágenes se me quedarán grabadas en la memoria (como la escena del fantasma y el televisor del exmarido), que toda la película he mantenido la tensión sobre que esconderá Ryuji y el futuro del niño y que el final me llevado a reflexionar sobre cosas bastante profundas (y eso ya es un gran logro para una película, más ahora que sólo aportan entretenimiento efímero). Pero debo de estar muerta, porque los escalofríos no los he sentido. 
• Enlace: http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=BBX8TIW8&confirmed=1

PULSE (KAIRO)

• Datos técnicos: Japón. 2001. Director: Kiyoshi Kurosawa. Intérpretes: Haruhiko Kato, Kumiko Aso, Koyuki, Kurume Arisaka, Masatoshi Matsuo. 
• Argumento: un grupo de jóvenes japoneses investiga el suicidio de varias personas que parece estar relacionado con una página de internet que promete a los visitantes la posibilidad de ver a un fantasma. A partir de ese momento, las desapariciones se multiplican, provocando la alarma ante la posible invasión del mundo de los espíritus.
• Mi opinión: desde los inicios del milenio y con las nuevas tecnologías siempre a la vanguardia de las noticias, muchas fueron las películas de terror (no sólo niponas, sino también de otras cinematografías) que utilizaron los elementos tecnológicos como fuente de miedo, angustia o congoja. "Pulse" es probablemente una de las mejores. Se trata de la obra cumbre del director Kiyoshi Kurosawa. En ella descubrimos todas sus inquietudes y constantes temáticas. Además de darle fama internacional, fue objeto del enésimo remake estadounidense de una película de terror japonesa. La genialidad del film reside en su soberbio guión y sus sorprendentes giros argumentales, con los que logra un estremecedor relato apocalíptico. La importancia de centrarse en el guión y eliminar todo aquello que pueda ser superfluo, se refleja desde la ausencia de títulos de crédito hasta la sencilla puesta en escena. Los colores desaturados y los enfoques de cámara que dejan fuera del encuadre al protagonista de la acción, son los que realmente crean la sensación de angustia, mucho más que cualquier otra estrategia manida como los sobresaltos, las cámaras temblonas, etc. Estos vacíos quedan reforzados por la estupenda utilización de la música, o más bien, del silencio. Las voces corales se transforman en sonidos electrónicos para acabar alcanzando la intensidad de gritos espeluznantes; mientras tanto el sonido ambiental va desapareciendo conforme avanza la trama. Por último, el estruendoso silencio final...
• Recomendaciones: esta película hay que verla con un equipo de sonido envolvente porque la música es un elemento fundamental del discurso. Por cierto, a ver a quién le suena la escena final con relación a una conocida y exitosa serie española...
• Enlace: http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=5MFFADFZ&confirmed=1 

AKIRA

• Datos técnicos: Japón. 1988. Director: Katsuhiro Otomo. Jefe de animación: Takashi Nakamura. Directores de animación: Yoshio Takeuchi e Hirokai Sato.
• Argumento: 1988, el mundo está al borde de la destrucción absoluta. La tecnología avanzada fue la causa de una terrible explosión que desencadenó una guerra nuclear y devastó las grandes ciudades del planeta. Treinta años después, sobre las ruinas de Tokio, se alza la megalópolis de Neo-Tokio, una ciudad opresiva e inhumana cargada de problemas como el desempleo, la violencia, la droga y el terrorismo. Las sectas religiosas y los grupos extremistas, aprovechándose de la insatisfacción de los ciudadanos, cultivan el mito de Akira, un niño depositario de la "energía absoluta" cuya resurrección significaría el amanecer de una nueva era.
• Mi opinión: Imprescindible. Fantasía futurista posnuclear concebida por Katsuhiro Otomo a partir de sus personajes de manga. Esta película supuso un salto cualitativo en la animación japonesa, una superproducción que costó 7 millones de dólares (el movimiento superfluido y el hiperrealismo de los decorados se consiguió dibujando más de 160.000 fotogramas y utilizando 734 colores diferentes, varios de ellos creados exclusivamente para la película, y aplicados a mano por supuesto). "Akira" marcó el inicio de la difusión del manga y el anime fuera de Japón, gracias al impacto que provocó en los espectadores de todo el mundo. El uso del color y sobre todo de la luz, me parecen sublimes (aún puedo ver las luces rojas flotando como una estela tras las motos). Hablando de las motos, cuando vi "El caballero oscuro" de Christopher Nolan me dije: "¡menuda moto tiene Batman!" y al ver ayer "Akira" me dije: "¡Eih, si es la moto de Batman!". Te hemos pillado, Nolan. Por primera vez se utilizó el naranja en vez del azul para las escenas nocturnas, hasta entonces algo impensable, lo que hace inconfundible cualquier fotograma de la película. Este film inauguró la moda esquizofrénica del ciberpunk en Japón, y se encuentra en la línea de películas  como la saga de "Rescate en..." de Carpenter o "Mad Max" de Miller, pero con el toque inimitable de Otomo (cuyos dibujos son muy admirados por el genial Moebius). La música de Sholi Yamashiro, con sus guitarras eléctricas mezcladas con las voces corales y aderezada con las notas inconfundibles del xilófono de bambú, configuran una de las bandas sonoras más complejas y fascinantes que se pueden disfrutar en el cine. En resumen, desde la espectacular persecución inicial de motos, acompañada por el inolvidable tema central, hasta el apoteósico final (impresionantes los cables tecnológico-orgánicos, guau!), se trata de una entrega de animación tan espectacular como violenta, que la han llevado por méritos propios a convertirse en una gran película de culto.
• Recomendaciones: se trata de una película de dibujos para adultos, que nadie me acuse de que su niño se ha vuelto yakuza después de verla. Curiosidad: Kanye West la homenajeo en su MV de "Stronger", y para mí Kanye West es un Dios, así que...
• Enlace: http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=VN43M8LD&confirmed=1