La leyenda del lago maldito

• Datos técnicos: Corea. 2003. Director: Lee Kwang-hoon. Intérpretes: Jeong Jun-ho, Kim Hyo-jin, Kim Hye-ri, Choi Won-seok, Ho San, Jang Hyeong-seong, Kang Shin-il, Lee Han-garl.
• Argumento: Año 57 AD. La era de las tribus de la oscuridad ha llegado a su fin con el nacimiento de las nuevas dinastías y con la destrucción de la tribu de Auta de la mano de la dinastía de los Shilla. Pero mil años más tarde, el espíritu diabólico de Auta decide llevar a cabo su venganza contra la dinastía Shilla a través de Jan Won-bi, la joven esposa del general Biharang, la cual cayó accidentalmente dentro del lago donde residia el espíritu. Cuando la oscuridad de la noche oculte la luna de miles de años de odio, la venganza se llevará a cabo y un gran amor anunciará la tragedia...
• Mi opinión: remake (no siempre esto es malo) del largometraje "A Thousand Year-Old Fox" (1969) del realizador Shing Sang-ok, esta cinta combina elementos fantásticos y de terror con Swordplay (el equivalente a las películas wuxia en Japón y Corea), además de contar con tintes propios de una cinta épica y de melodrama. Durante su presentación en el Far East Film Festival de Udine 2003 el auditorio en pleno estalló en aplausos cuando los títulos de crédito aparecieron en la pantalla. A mí me ha gustado, sobre todo porque me recuerda a grandes títulos ya comentados aquí como "La novia del cabello blanco", pero creo que no está a su altura de esa cinta. Me temo que prometía más de lo que ofrece el resultado final. A pesar de ello, debemos reconocerle varios méritos, como la elección de unos preciosos escenarios naturales rodados en China y que consiguen crear una atmósfera legendaria e irreal. También cabe señalar el equilibrio logrado entre los diversos géneros que se entremezclan en el filme: elementos de terror (el las apariciones del fantasma de Ja-oon), elementos de swordplay (las peleas fueron coordinadas por el reputado Tak Yuen) y el melodrama (en el triángulo amoroso que se establece entre el General, la Reina y la joven poseída, y que se mantiene en el punto justo para no caer en lo farsa o cursilería). Tiene ciertos toques gore y de película de serie B de los ochenta muy curiosos. Para nostálgicos.
• Recomendaciones: buena película para pasar el rato una lluviosa e invernal tarde de domingo.

Detective Dee

• Datos técnicos: Hong Kong. 2010. Director: Tsui Hark. Intérpretes: Andy Lau, Carina Lau, Chao Deng, Bingbing Li, Tony Leung Ka Fai.
• Argumento: Un detective exiliado es reclutado para resolver una serie de misteriosas y sobrenaturales muertes que tratan de detener la próxima coronación de la Empreratriz Wu. 
• Mi opinión: bueno, siendo el protagonista Andy Lau y con la aparición estelar de Tony Leung Ka Fai (al que vamos a tener que dedicar su propio apartado...) poco más se puede decir, ¿no?... hasta la próxima reseña entonces... ¡Nooo, aquí viene mi rollo! Con esta excepcional película inauguramos un ciclo dedicado al cine de detectives y de época, dos géneros que recientemente han sido fusionados con gran éxito en Asia (no hace falta más que mirar la filmografía coreana del último año, con títulos como "Detective K"). Pero esta joya de la que hablamos hoy tiene la originalidad de incorporar además la fantasía y las aventuras de espadas, iniciando el periodo de regreso del cine al más puro estilo de Hong Kong de todos los tiempos, desde los Shaw Brothers, hasta el propio Tsui Hark pasando por el mejor King Hu, y demostrando que el cine fantástico parece tener el futuro asegurado. Un, como siempre, estupendo Andy Lau asume el papel nada sencillo de un detective mezcla entre Indiana Jones y Sherlock Holmes y se deja literalmente la piel en cada maravillosa escena de acción. Me sigue sorprendiendo la capacidad creativa de los chinos para idear auténticas coreografías en sus peleas de espada. Cuando uno ve el cine comercial occidental de acción al final la mayoría de las luchas acaban siendo repetitivas (salvo honrosas excepciones). Sin embargo, en las películas de género Wuxia siempre hay al menos una escena que te deja sin aliento y permanece grabada en tu mente, y en este filme son varias. Pero la belleza estética no queda sólo ahí sino que impregna hasta el más pequeño gesto de los actores, uno puede ser arrojado al suelo como un perro o puede danzar hasta quedar tendido sobre él, como aquí ocurre. Aunque bien es cierto que la película abusa de los efectos especiales, el virtuosismo de Tsui Hark para la acción sigue intacto. A todo ello, debemos añadir una auténtica lección de arquitectura antisísmica...¡No os asustéis, sólo son dejes del oficio! En resumen, una película de acción, intriga, aventuras, fantasía y suspense; una obra que nos lleva a descubrir que, en la mayoría de las ocasiones, tras los fenómenos inexplicables se encuentra la mano del hombre. La explicación más sencilla suele ser la correcta... ¿o no?
• Recomendaciones: disfrutad de la película, prestad atención a los perfectos encuadres y los tocados de la emperatriz, que ya los quisiera para ella la Reina Amidala... y convertíos en fans del albino Pei Donglai...

Susurros del corazón

• Datos técnicos: Japón. 1995. Director: Yoshifumi Kondo. Guión: Hayao Miyazaki.
• Argumento: Shizuku Tsukishima es una adolescente aficionada a la lectura que tiene como plan pasar sus vacaciones de verano leyendo en la biblioteca y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, sus planes dan un giro cuando descubre que hay un mismo nombre, Seiji Amasawa, en las fichas de los libros que coge en la biblioteca. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que le llevará a la tienda donde Seiji trabaja como aprendiz de luthier. 
• Mi opinión: una maravilla, perfecta. Y ya está... qué no!!! Voy a soltar el rollo. "Susurros del Corazón" está dirigida por Yoshifumi Kondo, aprendiz de Hayao Miyazaki, y es uno de los clásicos del anime japonés aunque aquí es más bien poco conocida (de hecho en España se comercializó directamente para la venta particular). El director falleció justo después del estreno de "La princesa Mononoke" (ya reseñada en este blog), a causa de un aneurisma probablemente provocado por un exceso de trabajo. La prematura muerte de Yoshifumi Kondo representó el más terrible revés que ha sufrido Ghibli. Llamado a conformar, junto a Takahata y Miyazaki, la base de los estudios Ghibli, Kondo alcanzó la perfección en esta película. De no ser porque la historia nos es narrada con los dibujos naïf característicos de Ghibli, y el recelo injustificado que ello provoca en los críticos, seguramente habría sido reconocida como una de las mejores comedias románticas de todos los tiempos, ya que sin caer en el sentimentalismo narra con gran delicadeza la importancia del primer amor y del despertar al mundo adulto. Pueden percibirse en esta joya del cine ecos de David Lean, Douglas Sirk y Max Ophüls. Esta película explota todo el universo clásico de Ghibli con sus colores pastel, su luminosidad, su reflexión sobre la madurez y la infancia... pero a diferencia de otros títulos del estudio, el universo mágico queda bien definido como las ensoñaciones poéticas de una adolescente y su nexo de unión con la realidad es, al igual que ocurre en otras películas de Miyazaki, un animal que en este caso es un rollizo gato sin nombre. Y todo ello amenizado con una estupenda banda sonora con notas country. Una obra maestra sobre el despertar de los talentos creativos enmascarada como una historia de amor adolescente, pero de profunda hondura adulta. Pura magia, amor puro.
• Recomendaciones: me quedo con dos escenas de la película. La primera, el encuentro de la niña con el gato en el tren y la persecución posterior (que me hicieron recordar a cierta extranjera persiguiendo a un gato por los Jardines de Versalles, aunque la historia acabó de distinta manera...). La segunda, los protagonistas (y sus maravillosos dobladores españoles, por qué no decirlo) cantando "Country Roads", os dejo el link por si no conocéis la canción... http://www.youtube.com/watch?v=oN86d0CdgHQ ¡¡¡Y no dejéis de ver la película!!!

Death Note Relight

• Datos técnicos: Japón. 2009. Director: Shusuke Kaneko. Guión: Takeshi Otata, Tsugumi Ooba. 
• Argumento: Cuando el Shinigami Ryuk deja abandonado un Death Note en el mundo de los humanos, no puede imaginar lo que su decisión va a acarrear. Light Yagami, el joven que descubre este cuaderno con el que puede acabar con quien lo desee, se plantea primero hacer justicia pero, el tener el poder de un dios, acaba por hacer que se vaya corrompiendo, que abuse de su situación y que acabe con todo aquél que se le oponga. Sólo un individuo se resiste a su poder, L, el mejor detective del mundo. Pero la astucia de los contrincantes hace difícil la supervivencia de ambos.
• Mi opinión: más que por la película en sí, que no es más que un ambicioso resumen de los enfrentamientos entre L y Kira en la primera temporada del anime, me he decidido a hablar de ella para presentar a los que no lo conozcan el que yo considero uno de los mejores animes-mangas o historia en general de todos los tiempos. El proceso del fenómeno Death Note ha ido en progresivo aumento desde que en 2003 se creó un manga que acabó ocupando doce volúmenes y ciento ocho capítulos, hasta que se adaptó al anime, en 37 episodios, y al cine, en tres películas de live action. Además se han editado un par de novelas y varios videojuegos, a los que hay que añadir los miles de “Cuadernos Negros” que se han comercializado en todo el mundo. Sus cifras son impresionantes, y las repercusiones a nivel mundial también: desde legiones de fans hasta prohibiciones por parte de las autoridades de la República Popular China e incluso crímenes o imitaciones en Europa o EEUU. Y es que, siempre manteniendo la cordura, este relato (ya sea en su versión escrita o animada, y más dudosamente en  las películas live) es fascinante desde el minuto 0 hasta, como me ocurrió a mí, 2 semanas después cuando acabas de leerlo o verlo del tirón y a cambio de numerosas horas de sueño. Perfectos personajes, maravilloso dibujo, increíble banda sonora, trepidante historia... Un relato que además de entretener, y muy bien, nos lleva a reflexionar sobre el uso o abuso del poder, todo ello aderezado con el componente fantástico del mundo de los muertos y fantasmas japoneses. Acción, misterio, humor, amor, intriga, fantasía, miedo, terror... todos los géneros y más reunidos en un solo producto. Y refiriéndonos en concreto a "Death Note Relight", tuve la suerte de verla en el cine en el FAN 10 y si la serie me había cautivado, poder disfrutar de DN en pantalla grande fue simplemente orgásmico. Con "Death Note Relight" se da una vuelta de tuerca al relato original y a sus protagonistas. La novedad que plantea esta película es que se adentra en los orígenes de la historia cambiando al narrador. Ahora es el shinigami Ryuk el que analiza lo que significa darle a alguien el poder de hacer justicia entregándole las páginas en blanco de este cuaderno de la muerte. Una reflexión más filosófica si cabe, acompañada de una nueva banda sonora mejor aún y con escenas añadidas al final, ¡y qué final!
• Recomendaciones: para todos aquellos que no conocen la serie y no quieren tragarse todo el anime, es una buena opción. Pero esto es como los medicamentos, debo de advertir que provoca adicción y es posible que quien la vea acabe enganchado a toda la saga. He avisado. 

Soy un Ciborg

• Datos técnicos: Korea. 2006. Director: Park Chan-wook. Intérpretes: Lim Soo-jung, Jung Ji-hoon, Choi Hee-jin, Lee Young-nyeo, Yoo Ho-jung, Shon Young-soon, Lee Kyung-eun, Joo Hee, Lee Young-mi, Chun Choon-gi.
• Argumento: Young-goon es una paciente de un psiquiátrico que está encerrada porque cree que es un cyborg. La joven, que se alimenta sólo de pilas y baterías eléctricas, se niega a ingerir comida porque considera que es un ser cibernético que sólo necesita electricidad. Su estancia cambiará con el encuentro de un joven que se oculta constantemente tras una máscara con el que iniciará una curiosa amistad...
• Mi opinión: ¡Qué maravilla! Muchas han sido las películas fantásticas que se han hecho sobre el mundo cibernético en Asia y Occidente, pero la mayoría de las veces versando sobre el terror tecnológico, sobre la amenaza de los avances técnicos. Park Chan-wook, tras su estupenda "Trilogía de la Venganza", quería dar un giro a su carrera y hacer algo completamente contrario a todo lo que había hecho. Así, nos entrega esta joya de "Saibogujiman kwenchana" ("Soy un Cyborg, pero está bien"), una historia en apariencia sencilla sobre el amor entre dos seres antisociales recluidos en un centro psiquiátrico. Y digo en apariencia porque en la realidad esta película es una compleja y profunda reflexión sobre la existencia de los jóvenes de hoy en día (y más aún en sociedades tan tradicionales y exigentes como la coreana). La protagonista sufre esquizofrenia, se cree un organismo cibernético, y por ello es hospitalizada en un sanatorio mental. Pero que es más importante, ¿intentar curar a los pacientes a toda costa o intentar comprenderles? El director persigue hablarnos de que los enfermos siguen siendo seres humanos con sentimientos, necesidades y sobre todo, rogando por ser escuchados. El elenco de personajes que pueblan el manicomio es varipinto, cada uno inolvidable en su propia fantasía, y la locura llega hasta los mismos médicos. La historia está narrada con una delicadeza extraordinaria, la factura técnica es impecable, creando unos planos de enorme belleza y espiritualidad, y la música alegre y desinhibida es el contrapunto perfecto a las escenas más demoledoras. La película por supuesto, no pasó desapercibida y recibió en premio al mejor guión en el festival de cine de Sitges. Poesía, sentimientos, humor lunático y sobre todo cine, cine con mayúsculas en una película que nos lleva a preguntarnos: ¿qué importan más, las apariencias o la libertad para decidir?¿cuál es la razón de ser de los jóvenes? 
• Recomendaciones: tenía que ponerlo en algún lado así que... RAINNNNNNNNNNNNNNNN!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! cuando canta su olereiú!!!! imprescindible!!! maravilloso! emocionante!!! perfecto!!! es amor!!!

Angel's Egg (Tenshi no Tamago)

• Datos técnicos: Japón. 1985. Director: Mamoru Oshii. Productor: Yasuyoshi Tokuma. Música: Yoshihiro Kanno.
• Argumento: Una extraña niña custodia un huevo hasta que aparece un joven guerrero con un artefacto sobre el hombro, que parece muy interesado en el huevo y comienza a seguirla allá donde vaya. A pesar de la manifiesta desconfianza entre ambos, permanecerán juntos hasta el desenlace.
• Mi opinión: película de culto en Japón, Oshii desata aquí toda su fantasía, creando sorprendentes paisajes postapocalípticos con toques surrealistas que nos sumergen en un mundo inquietante, desolador, oscuro... La película cuenta tan sólo con dos personajes principales, la niña y el hombre, acompañados por grupos secundarios que ofrecen una lectura no individualista, como rebaños humanos que se comportan según lo que se espera de la masa. Los diálogos son muy escasos y se centran en la pregunta ¿Quién eres?, que se lanzan mutuamente los protagonistas; de hecho, la mayor parte de las veces, lo que éstos dicen en vez de aclarar la historia abre más interrogantes en la mente del espectador. El director opta por centrar el pulso narrativo en las evocadoras imágenes, que se encuentran a caballo entre las obras de Dalí y los grabados del siglo XIX. A pesar de que la película está claramente enfocada al público occidental debido a que las referencias bíblicas, especialmente al Arca de Noé, son constantes (así como la semejanza que podemos establecer entre el guerrero que parece cargar una cruz sobre su hombro o la asimilación de la niña con una virgen María encinta, inocente pero fuerte y decidida), el filme mantiene el clásico ritmo lento del cine nipón. Pero, ¿de dónde ha salido el huevo?¿dónde lo encontró la niña?¿qué hay dentro?... todas esas preguntas y más se quedan sin respuesta pero, como el mismo director dice, ¿por qué todas las preguntas deben ser contestadas? La maravillosa música contribuye a aumentar este halo de misterio y ayuda a resaltar los momentos álgidos del filme. Evocación, religiosidad, misticismo... Todo ello y más en una película imprescindible para los iniciados en este género. Una curiosidad, no sé por qué (y tal vez deba quedarse sin respuesta) esta película me ha hecho recordar un fantástico libro que marcó mi infancia y que aún de vez en cuando vuelvo a leer: "La princesa y los trasgos" de George MacDonald. Nada tienen nada que ver, pero algo compartirán, algo que no consigo adivinar. Misterio.
• Recomendaciones: ver la película al menos un par de veces, en la segunda revisión se descubren muchos más símbolos y referencias sorprendentes. Y leer "La princesa y los trasgos".

La Novia del Cabello Blanco

• Datos técnicos: Hong Kong. 1993. Director: Ronny Yu. Intérpretes: Brigitte Lin Ching-Hsia, Leslie Cheung Kwok-Wing, Elaine Lui Siu-Ling,Yammie Nam Kit-Ying, Francis Ng Chun-Yu, Law Lok-Lam, Pau Fong, Eddy Ko Hung, Joseph Cheng.
• Argumento: Cuando Zhuo, un valiente guerrero, era niño el canto de una chica misteriosa le salva de ser devorado por una manada de lobos, pero Lian, la hermosa joven, desaparece antes de que Zhuo pueda agradecérselo. Los años pasan y llega el momento en que Zhuo es designado como comandante del ejército que debe derrocar a la malvada dinastía Mo, gobernada por Ji, un emperador que ha criado a Lian para aprovechar su magia contra el ejército de rebeldes. Cuando Lian se niega a atacar a Zhuo desata la ira del emperador, que está secretamente enamorada de Lian. Celoso, Ji prepara su venganza.
• Mi opinión: llevaba muchísimo tiempo queriendo ver esta película y lo cierto es que no me ha decepcionado. Película de culto, Ronny Yu se basó en un magnífico clásico de la literatura china para crear un espectacular filme, donde ya demuestra su soltura y gran originalidad a la hora de dirigir. El cine hongkonés se encontraba a principios de los 90 sumido en un panorama de gran dispersión temática. En este caos, muchos directores intentaron reconstruir, desde fórmulas innovadores, el cine clásico de acción mezclado con elementos fantásticos. Así, mucho antes de la reconocida "Tigre y Dragón" (yo consideraría a esta película el origen de todo el género de artes marciales fantásticas), Ronny Yu dio la sorpresa con esta película, un retorno a los orígenes del cine en Hong Kong pero con un contenido más épico, más espectacular. Amor, acción, heroicidad, sufrimiento, entrega se entremezclan con espectaculares acrobacias y luchas de espadas en una película que puso en el mapa al cine "made in HK"; cuya estela no debió abandonar y que volvió a resurgir con fuerza a finales de los 90 con la ya mencionada "Tigre y Dragón", para asentarse definitivamente gracias a la unión entre la industria china y hongkonesa. De hecho, esta película tuvo tal repercusión a nivel internacional que Hollywood no tardó en fijarse en su director para encargarle películas como "La novia de Chuky" o "Freddy vs Jason", que sin duda son creativas y mantienen el pulso narrativo, pero que se encuentran muy lejos del épico encanto de "La novia del Cabello Blanco". Respecto a los actores, cabe destacar la actuación Brigitte Lin como la novia, con su forma de ser desconcertante que parece ser un ente frío, calculador, etéreo, animal... para descubrirnos poco a poco su humano interior. El aire místico que desprende la película se logra gracias a la música de Marti Richa y sobre todo la excelente fotografía de Peter Pau, con sus planos muy cerrados que nos privan de referencias espaciales y temporales, dejando en manos de la imaginación del espectador la recreación de su propio decorado. Varias secuencias y las vistas a contraluz (que proporcionan imágenes planas más cercanas a la pintura o al teatro de sombras chinescas) me han recordado a la mística fotografía de películas como "Excalibur". Como suele ser costumbre en estos casos, su secuela fue decepcionante, aunque Yu continuó filmando cine de género clásico como la notable "The Phantom Lover" (1995).
• Recomendaciones: especialmente recomendada para los amantes de este género, verla en alta definición y a disfrutar.

Air Doll

• Datos técnicos: Japón. 2009. Director: Hirokazu Kore-Eda. Intérpretes: Bae Doona, Arata, Itsuji Itao, Joe Odagiri. 
• Argumento: Una muñeca hinchable de tamaño natural vive en un modesto piso de Tokio. No habla ni se mueve. Pero es la única compañera de su amo, un hombre de mediana edad. Él le habla, la baña y le hace el amor cada día cuando vuelve del trabajo. La rutina diaria se rompe cuando la fantasía se hace realidad. De pronto, cobra vida y tiene alma. Acaba de nacer y no entiende lo que ocurre a su alrededor, aunque se da cuenta de que existe un mundo esperando a ser explorado más allá de las paredes del piso. Con el tiempo se atreve a salir al mundo exterior, se siente fascinada por todo lo que ve. Conoce a muchas personas de todo tipo he intenta comprender el significado de "estar vivo".
• Mi opinión: inclasificable y asombrosa película que puede ser una de las mejores obras del cine fantástico nipón de los últimos años. El director se basó en una historieta de poco más de veinte páginas del conceptualista mangaka Yoshiie Gôda, titulada "La figura neumática de una chica" y publicada por Shogakukan en febrero de 2000. A primera vista, la película puede parecer una historia de amor, pero esconde preguntas acerca de la naturaleza humana: ¿Pueden las personas llenar su propio vacío? ¿Cuál es el significado de la vida? ¿Qué es un ser humano? Los lenguajes orientales ofrecen una riqueza de interpretaciones gracias a la asociación de ideogramas que no están presentes en nuestra cultura. Así, el simple título de la película, "Air Doll", es una bella metáfora que explica el argumento de la misma. Kûki Ningyô e traduce como muñeca de aire. Ningyô se podría entender como muñeca o marioneta. Pero los dos primeros kanjis, esto es, kûki pueden descriptarse así: en primer lugar Kû puede referirse al cielo o al vacío, mientras que ki significa literalmente espíritu. Por lo tanto, si cogemos el significado de vacío y lo unimos al de espíritu obtenemos aire o atmósfera. Pero también implica que el aire o Kûki llene el vacío de la muñeca inanimada para que consiga alma. Una subyugadora película en la que tienen cabida la tristeza, el amor, la crueldad y las fantasía más elaborada con un dramático final que me ha recordado a la tan maravillosa "El imperio de los sentidos". Bellas imágenes, delicados movimientos de cámara, palabras poéticas y entrañables secundarios (como el anciano o el fabricante de muñecas) para una reflexión profunda y conmovedora acerca de la soledad.
• Recomendaciones: un poema de Yoshino Hiroshi titulado "La vida es": 
• 生命は
  seimei wa
  
  自分自身だけでは完結できないように
  jibun jishin dake de wa kanketsu dekinai youni
  つくられているらしい
  tsukurareteiru rashii
• 花も
  hana mo
  めしべとおしべが揃っているだけでは
  meshibe to oshibe ga sorotteiru dake dewa
  不充分で
  fujuubun de
  虫や風が訪れて
  mushi ya kaze ga otozurete
  めしべとおしべを仲立ちする
  meshibe to oshibe wo nakadachi suru
  
  生命はすべて
  seimei wa subete
  その中に欠如を抱き
  sono naka ni ketsujou wo idaki
  それを他者から満たしてもらうのだ
  sore wo tasha kara mitashite morau no da
  
  私は今日、
  watashi wa kyou,
  どこかの花のための
  dokoka no hana no tame no
  虻（あぶ）だったかもしれない
  abu datta ka mo shirenai
  そして明日は
  soshite ashita wa
  誰かが
  dare ka ga
  私という花のための
  watashi toiu hana no tame no
  虻であるかもしれない
  abu de aru ka mo shirenai
• La vida parece estar construida de forma que nadie pueda vivirla solo.
• A una flor también
  le es insuficiente
  que sólo tenga su pistilo y sus estambres,
  llegan los inscectos o el viento
  e intervienen entre su pistilo y sus estambres.
  
  Todo ser vivo
  tiene alguna carencia dentro de él
  y eso lo suplementa con ayuda de los demás.
  
  Es posible que
  hoy yo halla sido un tábano
  para alguna flor en algún sitio
  y que manaña
  alguien sea
  un tábano para la flor que soy yo.

La princesa Mononoke

• Datos técnicos: Japón. 1997. Director: Hayao Miyazaki. Productor: Toshio Suzuki. Música: Jō Hisaishi. 
• Argumento: con el fin de curar su herida provocada por un jabalí maldito, el joven Ashitaka sale en busca del Espíritu del Bosque, pues sólo él puede liberarle del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre la lucha de los animales del bosque contra los hombres dispuestos a destruir la naturaleza.
• Mi opinión: cerramos el mes dedicado a Miyazaki con la que considero es su película más madura desde el punto de vista narrativo, creando unos personajes tremendamente complejos y con una reflexión final sobre el pesimismo, la violencia, la ambición, el amor... todo desde una perspectiva más cercana a la realidad. Porque debemos admitir que en la vida las acciones tienen sus consecuencias pero no todos los errores son castigados, que el amor no siempre triunfa y a veces la diferencia entre dos mundos es irreconciliable, y que la belleza puede conducir a la destrucción pero en la desgracia también se puede hallar hermosura. De hecho, esta película se aleja de los límites considerados popularmente como animación infantil. Aunque si habéis tenido la oportunidad de leer los cuentos originales de los hermanos Grimm, poco tienen que ver con los edulcorados espectáculos de Disney, y estaban destinados a los niños. En ellos hay hostilidad, violencia, muerte, desasosiego, maldad y horror. Y la mayoría de las veces, al igual que ocurre en esta película, no podemos identificar personajes arquetípicos o simplistas que representen el bien o el mal. Como en la vida misma, siempre hay motivaciones ocultas y matices en las personas y sus acciones. Sin embargo, no me atrevo yo a decir que esta película no es para niños, ¿por qué no? ¿Acaso debemos mostrarles un mundo distorsionado en el que sólo hay buenos y malos? Los cuentos populares tenían una intención muy clara, mostrar la crueldad de la vida a los niños para que extrajesen una moraleja y supieran enfrentarse a las dificultades de la vida adulta. ¿Hacemos bien en eliminar esos aspectos?¿Estamos educando o sobreprotegiendo? No puedo yo responder a esto, al igual que la película de Miyazaki, dejó preguntas huérfanas, incómodas... 
• Recomendaciones: seguir el camino que nos marca la película de reflexión interior. Ahí es nada.

Nausicaä del Valle del Viento

• Datos técnicos: Japón. 1984. Director: Hayao Miyazaki. Productor: Isao Takahata. Música: Joe Hisaishi.
• Argumento: 1.000 años después de una guerra mundial catastrófica, la humanidad sobrevive a duras penas a orillas de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. El Valle de Viento es un reinado minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Nausicaä es la princesa del Valle del Viento y única hija del rey; gran piloto y guerrera, es también compasiva y solícita; trata de encontrar un sentido del bosque contaminado y se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles con los que tiene una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, al mando de la princesa Kushana, invade el pueblo e intenta revivir a un mortífero "Dios de la guerra", de los tiempos de la gran guerra, para triunfar contra sus enemigos y contra el bosque contaminado.
• Mi opinión: Nausicaä es la primera película que Miyazaki dirigió en los Estudios Ghibli y, a pesar de que ya había hecho otras, en ella sienta las bases conceptuales, prototípicas y artísticas que distinguen su filmografía. A pesar de que data de 1984, tuve el honor de asistir a su estreno en España que se produjo el 7 de mayo de 2010 dentro del ciclo de cine organizado por FAN en Pamplona (oye, algo tenemos en esta tierra además de los Sanfermines!) y me enamoré de ella. Por supuesto, debo decir que ya había disfrutado de posteriores películas de Miyazaki, que se había convertido en un referente para mi, pero en ésta se puede respirar la espontaneidad, la frescura y en cierto modo la ingenuidad que destilan todas las obras noveles (en donde los directores muestran un desparpajo que va desapareciendo con las obras más tardías, que al mismo tiempo suelen estar más pulidas y posiblemente más redondas y brillantes). La película se basó en un manga homónimo del propio director de 1982. Para crear el personaje de Nausicaä, Miyazaki se inspiró en La princesa que amaba a los insectos, una antigua leyenda nipona de 1271. La película fue realizada por animadores pagados por fotograma realizado. Uno de los más notables fue Hideaki Anno, que luego sería el director de "Neon Genesis Evangelion". Anno fue asignado a la escena del ataque del Dios Guerrero, que de acuerdo a Toshio Suzuki es un momento álgido de la película. La estructura de personajes en tres niveles que mencionamos en la reseña anterior se muestra por primera vezy de manera muy clara en esta película. En primer lugar tenemos a la gran heroína Nausicaä (la única que se afana en buscar una solución a la contaminación del planeta mediante el diálogo con la Naturaleza herida, oponiéndose a las ansias conquistadoras y destructivas del resto de pueblos supervivientes), al Príncipe Asbel (compañero de edad similar y sexo opuesto) y al Maestro Yuppa (el profesor o guía, un aventurero que viaja por la zona contaminada en busca de una solución y que aleccionó a Nausicaä cuando era niña). En un segundo nivel están los personajes secundarios, representando cada uno una cualidad muy determinada (como la ambición representada por la Princesa Kushana, o la fidelidad de Krotoa). Y el el tercer nivel aparece la Naturaleza (en esta película de manera muy explícita) representada por los insectos que están vinculados a Nausicaä por un acontecimiento que ocurrió en su infancia. La predestinación es un rasgo único de este film y que no volverá a aparecer en ninguno de los personajes del director. Destacan, como en las anteriores, los ingenios tecnológicos ideados por Miyazaki y en especial el mehve, un planeador monoplaza que Nausicaä utiliza para desplazarse ya que es una gran conocedora del viento, tanto de su dirección como cambios y situaciones de bolsas de aire. Señor Miyazaki: ¡yo también quiero un mehve! Y no podemos olvidar a Tetto, una ardilla-zorro mascota de la princesa. Me conmovió sobremanera la escena final: la abnegación, la generosidad absoluta de la protagonista frente a la ambición, el egoismo y la codicia de los seres humanos por los objetivos materiales. Muy impactante.
• Recomendaciones: a disfrutar y listo! Por cierto, me encanta que me dejeis comentarios con vuestras opiniones, no sólo de las reseñas sino también de las películas cuando la hayais visto o revisto!

El viaje de Chihiro

• Datos técnicos: Japón. 2001. Director: Hayao Miyazaki. Productor: Toshio Suzuki. Premios: Premio Óscar a la mejor película de Animación (en el 2002), Festival Internacional de Cine de Berlín: Oso de oro a la mejor película, Mejor película en los premios de la Academia de Cine de Japón, Mejor película Asiática en los Hong Kong Film Awards, 4 Premios Annie: Mejor película, mejor dirección, mejor música y mejor guión en una cinta de animación, Mejor película de animación en los premios de la Asociación de Críticos Americanos (BFCA)...
• Argumento: Chihiro y sus padres se habían visto obligados a mudarse a otra ciudad. Mientras que su padre conduce, toman un atajo por el cual se pierden internándose en un bosque que terminaba frente a un edificio con un gran y extraño túnel en su interior. Del otro lado del túnel descubren un pueblo aparentemente abandonado; los padres deciden ir a mirar, encontrando así un restaurante vacío, en el cual se quedan a comer. Por otro lado, Chihiro se aleja de ellos para investigar la ciudad. Cuando comienza a anochecer, un chico misterioso llamado Haku aparece y le ordena a la niña que se marche de allí con sus padres antes de que anochezca. Chihiro corre en busca de sus padres, mientras que al caer la noche toda la ciudad cobra vida, encendiéndose los faros y apareciendo seres de formas extrañas, similares a los yōkai; pero para su sorpresa y horror, sus padres han sido convertidos en dos enormes cerdos. Atemorizada, Chihiro es llevada por Haku secretamente a una casa de baños termales dirigida por la bruja Yubaba, donde el joven le dice que debe conseguir un trabajo allí hasta que él pueda ayudarle a recuperar a sus padres y a escapar. Así pues, con varios amigos que hace en el transcurso de la historia, Chihiro inicia una gran aventura para poder rescatar a sus padres.
• Mi opinión: continuando con nuestro homenaje a Miyazaki, esta semana he tenido la suerte de revisar una auténtica obra maestra del cine (de animación, si se quiere). "El viaje de Chiriro" es un desbordante ejercicio de imaginación del director, un espectáculo de inspiración torrencial de más de dos horas de ritmo trepidante, gracias a un fantástico guión que hace que la película se pase en un suspiro. "Belleza, poder, misterio y, por encima de todo, corazón.", así la calificaba James Cameron. Dulce, entrañable, tierna al mismo tiempo que terrible y estimulante, merece la calificación de clásico, que pocas películas alcanzan en nuestros días. E incluso es educativa, ya que el valor del trabajo se presenta como medio para superar los problemas, formar el carácter y demostrar el valor frente a las adversidades. Los personajes, inolvidables de nuevo, se estructuran en tres niveles: la protagonista Chihiro, con su compañero de sexo opuesto y misma edad Haku, y los personajes adultos de Yubaba (malvada, codiciosa, opresora) y su mitad complementaria en la figura de su hermana gemela Zeniba (bondadosa, comprensiva, cariñosa) que forman un juego de reflejos y dualidades. El segundo nivel formado por los secundarios que representan cada uno una cualidad que contribuye a configurar la personalidad del héroe. Y el tercer nivel, más difuso, de la identidad personal que entronca con el tema recurrente en la filmografía de Miyazaki de una sociedad que ahoga la esencia de los hombres en un mar de materialismo. Podemos rastrear estos tres estratos en todos los filmes que trataremos este mes. De hecho, la cuestión de la identidad es el eje argumental de la historia, ya que Yubaba domina a los demás robándoles su verdadero nombre. De esta forma, el director expone una verdad universal: si olvidas tu nombre, ¿cómo puedes saber quién eres en realidad?. De nuevo aparece aquí el viaje del héroe, que ya expusimos en la reseña anterior, y el factor ecologista, que aquí se manifiestan con una preciosa metáfora (ATENCIÓN, SI NO HAS VISTO LA PELÍCULA, NO SIGAS LEYENDO). Haku ayuda a Chihiro recordándole su nombre, pero se produce un espejo cuando Chihiro ayuda a Haku a recuperar su verdadera identidad al recordar como de pequeña estuvo a punto de ahogarse en el río Kohaku pero la corriente la salvó. Después de varios años, es ella quien salva al río que había olvidado su nombre al ser secado para la construcción de edificios. Es decir, el progreso mal entendido eliminando la naturaleza termina por borrar la identidad del hombre. Precioso.
• Recomendaciones: además de las ya aconsejadas en la reseña de "El castillo ambulante", os insto a que disfrutéis de la maravillosa música de Joe Hisaishi y Yumi Kimura. Y como divertimento podeis fijaos en el papel relevante que de nuevo tienen los elementos de comunicación vertical (en este caso tanto las escaleras como los ascensores) como metáforas de la superación personal.

El Castillo Ambulante

• Datos técnicos: Japón. 2004. Director: Hayao Miyazaki. Montaje: Takeshi Seyama. Dirección artística: Yôji Takeshige y Noboru Yoshida.
• Argumento: Sophie trabaja sin descanso en su tienda de sombreros. En uno de sus poco frecuentes paseos por la ciudad, Sophie conoce al mago Howl. Éste es un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. Sin embargo, a Sophie le da la impresión de que Howl esconde algo… El encuentro entre Sophie y Howl no ha pasado desapercibido para la Bruja del Páramo, quien odia visceralmente a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, haciéndose pasar por una clienta, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana que no puede revelar su verdadera identidad. Sophie se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. El mago vive en un castillo mágico que tiene la peculiaridad de trasladarse a voluntad de su dueño. Sophie se adentra en lo desconocido, en busca del castillo ambulante de Howl.
• Mi opinión (Hayao Miyazaki): iniciamos con esta película un nuevo mes temático, dedicado esta vez al genial Hayao Miyazaki. He decidido comenzar con este título ya que fue el primero que vi de su filmografía, lo que le otorga un cariño especial por parte de quién os escribe. El director debe estudiarse como un caso particular dentro del anime, convirtiéndose en un director de culto gracias a los filmes producidos en sus Estudios Ghibli. Su singularidad radica en la búsqueda de la belleza casi pictórica, la construcción de una realidad alternativa naïf, de tintes ecologistas y coloreada en unos maravillosos tonos pastel. Sus largometrajes deben considerarse como una "obra de arte total" mediante la participación de pintores, escultores o diseñadores. Sin embargo, sí algo destaca en todas las películas del director es el viaje de maduración del héroe, como muy bien analiza Miguel Ángel Oeste en su artículo "Aproximaciones al héroe en el cine de Hayao Miyazaki", cuya lectura os aconsejo. Así, el protagonista de cada film, que casi siempre es femenino, realiza un viaje similar al de los héroes mitológicos, dividido en tres etapas. La primera es el comienzo del viaje iniciático mediante la ruptura con la rutina cotidiana, que produce cierto adormilamiento, con la irrupción de lo fabuloso o sobrenatural. En la segunda, el héroe se ve obligado a superar obstáculos y contrariedades gracias a su fuerza de voluntad, a la vez que intenta crear un equilibrio entre el mundo real anterior y el fantástico en el que ahora se ve inmerso, hasta llegar a la tesitura final. Por último, el protagonista conseguirá superar esta prueba máxima anteponiendo el bien colectivo al suyo propio, y desprendiéndose de su yo anterior, la cotidianidad, para abrazar ese nuevo mundo poblado de interrogantes.
• Mi opinión (El Castillo Ambulante): Tras en encuentro con la Bruja del Páramo, la anteriormente apocada y aburrida Sophie, se trasforma en una enérgica y segura de sí misma anciana decidida a cambiar su destino. Así, el inevitable viaje físico es también un viaje mental que permitirá a Sophie conocerse mejor a sí misma y sacar a la luz sus verdaderas cualidades. Es delicioso el choque entre la bondadosa y fea anciana y el superficial, hermoso y narcisista mago, que deberán unirse para superar sus problemas y mostrar su auténtico yo. Todos los personajes secundarios son inolvidables: el espantapájaros mudo y servicial, el demonio Calcifer, la creída Bruja del Páramo, el perro viejo y sarnoso... Hay dos escenas que me parecen sublimes. La primera es el encuentro inicial entre Sophie y Howl, con el vuelo por los tejados de la ciudad. Pocas escenas hay tan sensuales consegidas con tan pocos recursos, incluso en los filmes con personajes de carne y hueso. La segunda, el ascenso de las eternas escaleras del palacio real. Una escena redonda, maravillosa, perfecta. Tampoco debemos olvidar la imaginería técnica de Miyazaki. Él quiso estudiar ingeniería aeronaútica y esto está muy presente en el derroche de inventiva que impregna los diseños de los aviones y barcos, que en esta película tienen especial peso al desarrollarse en mitad de un conflicto bélico. En resumen, una maravilla estética, fascinante, con personajes llenos de matices que luchan por el amor bucólico de colores suaves en medio de la oscuridad de la devastación del desarrollo humano.
• Recomendaciones: si queremos disfrutar de las películas de Hayao Miyazaki debemos realizar el mismo viaje que sus héroes, esto es, desprendernos de las normas y aprender a aceptar lo fantástico. Mantengamos la mente abierta, como los niños, sin sorprendernos de que la magia se esconda a la vuelta de la esquina. 

La Maldición de la Flor Dorada

• Datos técnicos: China. 2006. Director: Zhang Yimou. Intérpretes: Chow Yun Fat, Gong Li, Jay Chou, Liu Ye, Chen Jin, Ni Dahong, Li Man, Qin Junjie.
• Argumento: China, dinastía Tang, siglo X. En la víspera del Festival Chong Yang, miles de crisantemos dorados inundan el palacio imperial. El emperador y su segundo hijo, el príncipe Jai, regresan inesperadamente después de tres años en el frente. Su pretexto es celebrar las fiestas con la familia, pero teniendo en cuenta la fría relación que existe entre el emperador y la enferma emperatriz, parece que esta visita encierra otras razones ocultas. El Príncipe Wan, que se siente atrapado, sueña con escapar del palacio con su amor secreto Chan, la hija del Médico Imperial. Mientras tanto, el Príncipe Jai, el hijo fiel, se siente preocupado por la salud de la Emperatriz y su obsesión por los crisantemos dorados...
• Mi opinión: siguiendo con nuestro mes dedicado a Zhang Yimou, hoy nos toca analizar la película que cierra su trilogía del género wuxia. Aún siendo un film menos interesante que los dos anteriores, mantiene un pulso interno pulp, delirante y bastante freak que lo hacen irresistible. Un viejo proverbio chino dice: "Oro y jade en el exterior, podredumbre y decadencia en el interior". Exactamente así es la película: mientras que el envoltorio parece una preciosa cajita lacada china, el interior encierra unos personajes decididamente atroces y disfuncionales. El director lleva el cine de espadachines un paso más allá, creando un género híbrido combinando la ostentación visual con unos personajes basados en una de las obras teatrales del siglo XX más aclamadas de China, "ThunderStorm" de Cao Yu. La obra, escrita y ambientada en los años 30, dramatiza la desintegración de una familia adinerada de industriales. A pesar del escenario moderno, las luchas de clases por el poder de la obra son igualmente aplicables a los días imperiales; el rico patriarca controla su corporación y su dinastía familiar con el poder absoluto de un Emperador. El director Zhang Yimou, Wu Nan y Bian Zhihong trasladaron esta historia clásica ambientada en un imperio metafórico, al distante y casi de cuento de hadas Imperio Tang Posterior. Precisamente la labor del director se centró en lograr un equilibrio entre el contenido y el continente, siendo este último fascinante. La composición visual, el uso extensivo del dorado en decorados y trajes, las trasparencias de las vidrieras y telas del palacio, las gamas de colores son realmente únicas e inconfundibles. Un película hedonista, estéticamente fastuosa, voluptuosa y opulenta.
• Recomendaciones: no debemos olvidar la maravillosa canción de los títulos de crédito "Chrysanthemum Terrace", compuesta e interpretado por el propio Jay Chou e incluida en su disco "Still Fantasy", que recomiendo encarecidamente.  

La casa de las dagas voladoras

• Datos técnicos: China. 2004. Director: Zhang Yimou. Intérpretes: Takeshi Kaneshiro, Andy Lau Tak Wah, Zhang Ziyi, Song Dandan.
• Argumento: corre el año 859 a.C. y la dinastía Tang, una vez floreciente, ha entrado en decadencia. El malestar se extiende por todo el país, y el corrupto gobierno tiene que enfrentarse en todas partes con ejércitos rebeldes. El más poderoso es el de la "Casa de las Dagas Voladoras", que se está haciendo cada vez más fuerte gracias a un nuevo y misterioso líder. Dos capitanes, Leo y Jin, reciben la orden de capturarlo y para ello elaboran un minucioso plan. El capitán Jin finge ser un guerrero solitario llamado Viento y saca de prisión a la revolucionaria ciega Mei, que lo llevará hasta el cuartel general de la Casa de las Dagas Voladoras.
• Mi opinión: seguimos con el mes dedicado a Zhang Yimou y, tras volver a ver la película, me han quedado dos cosas muy claras. La primera, que Zhang Yimou es uno de los mejores directores de todos los tiempos, demostrándolo con cine tan sublime, tan inolvidable como esta película; un disfrute sensorial que te conmociona hasta lo más profundo. La segunda, Zhang Ziyi no es un ser de este mundo (de lo que no estoy segura es de que Takeshi Kaneshiro tampoco lo sea...). Gracias al éxito comercial de "Hero", su director pudo regalarnos esta película que sigue casi literalmente las reglas de las producciones de King Hu o de Tsui Hark, es decir, abandona la abstracción de la anterior para crear algo mucho más físico, un wuxia (aventuras entre espadachines generalmente en la exhuberancia de la naturaleza) más puro. Yimou contó con los mismos guionistas, Feng Li y Bin Wang, para centrarse en contar una oscura, desesperada historia de amor muy diferente a los sentimientos de entrega, heroicidad que primaban en la anterior. De hecho, aunque el estilo visual del director es inconfundible, mientras que en "Hero" se decantaba por paletas cromáticas monotonales, lo que tenemos aquí es una orgía de colores en cada escena (sinceramente, no creo haber visto tal cantidad de tonos y tan bien combinados en ninguna otra película). Tampoco podemos olvidar la exquisita música de Shigeru Umebayashi, que ese año también hizo los arreglos para "2046". De las muchas partituras bellas presentes en la obra de Yimou, esta puede ser la más desgarrada, la más sentida, la más atmosférica y la más psicológica. Los actores que forman el triángulo amoroso están sublimes en sus papeles y, gracias a las bondades del guión y a su interpretación, logran algo muy difícil: a pesar de la mezquindad de sus actos no eres capaz de tomar partido por uno de ellos, todos son igualmente víctimas y verdugos. A modo de anécdota, la famosa secuencia del campo de flores habría sido aún más espléndida si hubieran podido disponer de las flores de colores que Yimou quería para ella. Sin embargo, tuvieron muy mala suerte ya que las flores que plantaron un año antes (plantadas una a una) ya no estaban cuando pudieron volver, porque el brote de neumonía atípica de China les impidió salir del país y todo se retrasó. En resumen, un poema visualmente deslumbrante, el relato de una historia en apariencia sencilla pero que nos penetra y nos duele, nos ilumina y nos hace sentir la libertad del viento.
• Recomendaciones: es tan hermosa e irreal que creo que deberíamos verla con alguien a nuestro lado que, como a los generales romanos triunfantes, nos fuera recordando de vez en cuando que sólo somos hombres. O tal vez podamos olvidarlo durante dos horas!!!

Hero

• Datos técnicos: China. 2002. Director: Zhang Yimou. Intérpretes: Jet Li, Tony Leung Chiu Wai, Maggie Cheung, Zhang Ziyi, Chen Daoming, Donnie Yen.
• Argumento: China estaba dividida en siete reinos: Qin, Zhao, Han Wei, Yan, Chu y Qi. Durante años, los reinos lucharon por la supremacía. Como resultado, la población sufrió décadas de muerte y sufrimiento. El rey Qin estaba obsesionado con conquistar toda China y convertirse en su primer Emperador. Desde hace mucho era el objetivo de asesinos de los otros seis estados. De todos los aspirantes a acabar con él, ninguno ha inspirado más temor que los tres legendarios asesinos conocidos como Espada Rota, Nieve  y Cielo. El rey Qin prometió poder, montañas de oro y una audiencia privada con él mismo a cualquiera que consiguiera derrotar a los tres asesinos. Pero vencerlos es una tarea casi imposible. Durante diez años nadie ha estado siquiera cerca de reclamar el premio. De modo que cuando el enigmático guerrero "Sin Nombre" llega al palacio con las legendarias armas de los asesinos muertos, el rey se muestra impaciente por oír su historia. Sentado en el palacio, sólo a unos metros del rey, "Sin Nombre" comienza a contar su extraordinario cuento.
• Mi opinión: Inauguramos el mes de marzo dedicado a uno de nuestros directores favoritos: Zhang Yimou. En el año 2000 la industria cinematográfica sufrió una sacudida con la innovadora "Tigre y Dragón" de Ang Lee, una película de artes marciales que recuperaba la tradición de los filmes de King Hu y Tsui Hark y que ponía de acuerdo al público y a los críticos (ganó cuatro Oscars y dos Globos de Oro, entre otros premios). Su éxito provocó producciones tan ambiciosas como la trilogía dirigida por Zhang, compuesta por "Hero" (2002), "La casa de las dagas voladoras" (2004) y "La maldición de la flor dorada" (2006). La que nos ocupa hoy, "Hero", es una auténtica obra maestra, un film legendario, mítico, visualmente perfecto y, en muchos aspectos, superior a la popular "Tigre y Dragón". La utilización del color es magnífica: para narrar las tres versiones de la historia, cada una contada desde una perspectiva diferente, se utilizó un color temático (rojo, blanco y azul). No se trata de una elección al azar, ya que los colores tienen un gran contenido simbólico, ayudan a expresar los sentimientos y sensaciones y a que el espectador pueda captar mejor las ideas. El rojo simboliza la pasión y la imaginación; el blanco, la verdad; el azul, la realidad percibida y el verde, la iluminación y la paz. A los pocos minutos de empezar la película se produce la primera pelea entre "Cielo" y "Sin Nombre", y ésta es tan sobresaliente, tan impactante y sublime que crees que el director ha fallado mostrando un espectáculo visual insuperable al comienzo del filme. Y, sorprendentemente, cada pelea es mejor que la anterior, en una creciente disfrute que, aunque resulte contradictorio, alcanza su clímax con unas sencillas palabras de Tony Leung (Oh, Tony!!!!): "Para convencerte". Cada lucha está acompañada de una lluvia (de agua, de flechas, de hojas, de susurros, de seda) destinada a acariciar cada uno de nuestros sentidos, transformando así una pelea en un elegante ballet de emociones. Porque ésta es una película en la que los hombres dejan de ser hombres para convertirse en delicados elementos: fuego, agua, viento, arena...
• Recomendaciones: verla sin falta y en alta calidad.