Nausicaä del Valle del Viento

• Datos técnicos: Japón. 1984. Director: Hayao Miyazaki. Productor: Isao Takahata. Música: Joe Hisaishi.
• Argumento: 1.000 años después de una guerra mundial catastrófica, la humanidad sobrevive a duras penas a orillas de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. El Valle de Viento es un reinado minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Nausicaä es la princesa del Valle del Viento y única hija del rey; gran piloto y guerrera, es también compasiva y solícita; trata de encontrar un sentido del bosque contaminado y se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles con los que tiene una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, al mando de la princesa Kushana, invade el pueblo e intenta revivir a un mortífero "Dios de la guerra", de los tiempos de la gran guerra, para triunfar contra sus enemigos y contra el bosque contaminado.
• Mi opinión: Nausicaä es la primera película que Miyazaki dirigió en los Estudios Ghibli y, a pesar de que ya había hecho otras, en ella sienta las bases conceptuales, prototípicas y artísticas que distinguen su filmografía. A pesar de que data de 1984, tuve el honor de asistir a su estreno en España que se produjo el 7 de mayo de 2010 dentro del ciclo de cine organizado por FAN en Pamplona (oye, algo tenemos en esta tierra además de los Sanfermines!) y me enamoré de ella. Por supuesto, debo decir que ya había disfrutado de posteriores películas de Miyazaki, que se había convertido en un referente para mi, pero en ésta se puede respirar la espontaneidad, la frescura y en cierto modo la ingenuidad que destilan todas las obras noveles (en donde los directores muestran un desparpajo que va desapareciendo con las obras más tardías, que al mismo tiempo suelen estar más pulidas y posiblemente más redondas y brillantes). La película se basó en un manga homónimo del propio director de 1982. Para crear el personaje de Nausicaä, Miyazaki se inspiró en La princesa que amaba a los insectos, una antigua leyenda nipona de 1271. La película fue realizada por animadores pagados por fotograma realizado. Uno de los más notables fue Hideaki Anno, que luego sería el director de "Neon Genesis Evangelion". Anno fue asignado a la escena del ataque del Dios Guerrero, que de acuerdo a Toshio Suzuki es un momento álgido de la película. La estructura de personajes en tres niveles que mencionamos en la reseña anterior se muestra por primera vezy de manera muy clara en esta película. En primer lugar tenemos a la gran heroína Nausicaä (la única que se afana en buscar una solución a la contaminación del planeta mediante el diálogo con la Naturaleza herida, oponiéndose a las ansias conquistadoras y destructivas del resto de pueblos supervivientes), al Príncipe Asbel (compañero de edad similar y sexo opuesto) y al Maestro Yuppa (el profesor o guía, un aventurero que viaja por la zona contaminada en busca de una solución y que aleccionó a Nausicaä cuando era niña). En un segundo nivel están los personajes secundarios, representando cada uno una cualidad muy determinada (como la ambición representada por la Princesa Kushana, o la fidelidad de Krotoa). Y el el tercer nivel aparece la Naturaleza (en esta película de manera muy explícita) representada por los insectos que están vinculados a Nausicaä por un acontecimiento que ocurrió en su infancia. La predestinación es un rasgo único de este film y que no volverá a aparecer en ninguno de los personajes del director. Destacan, como en las anteriores, los ingenios tecnológicos ideados por Miyazaki y en especial el mehve, un planeador monoplaza que Nausicaä utiliza para desplazarse ya que es una gran conocedora del viento, tanto de su dirección como cambios y situaciones de bolsas de aire. Señor Miyazaki: ¡yo también quiero un mehve! Y no podemos olvidar a Tetto, una ardilla-zorro mascota de la princesa. Me conmovió sobremanera la escena final: la abnegación, la generosidad absoluta de la protagonista frente a la ambición, el egoismo y la codicia de los seres humanos por los objetivos materiales. Muy impactante.
• Recomendaciones: a disfrutar y listo! Por cierto, me encanta que me dejeis comentarios con vuestras opiniones, no sólo de las reseñas sino también de las películas cuando la hayais visto o revisto!

El viaje de Chihiro

• Datos técnicos: Japón. 2001. Director: Hayao Miyazaki. Productor: Toshio Suzuki. Premios: Premio Óscar a la mejor película de Animación (en el 2002), Festival Internacional de Cine de Berlín: Oso de oro a la mejor película, Mejor película en los premios de la Academia de Cine de Japón, Mejor película Asiática en los Hong Kong Film Awards, 4 Premios Annie: Mejor película, mejor dirección, mejor música y mejor guión en una cinta de animación, Mejor película de animación en los premios de la Asociación de Críticos Americanos (BFCA)...
• Argumento: Chihiro y sus padres se habían visto obligados a mudarse a otra ciudad. Mientras que su padre conduce, toman un atajo por el cual se pierden internándose en un bosque que terminaba frente a un edificio con un gran y extraño túnel en su interior. Del otro lado del túnel descubren un pueblo aparentemente abandonado; los padres deciden ir a mirar, encontrando así un restaurante vacío, en el cual se quedan a comer. Por otro lado, Chihiro se aleja de ellos para investigar la ciudad. Cuando comienza a anochecer, un chico misterioso llamado Haku aparece y le ordena a la niña que se marche de allí con sus padres antes de que anochezca. Chihiro corre en busca de sus padres, mientras que al caer la noche toda la ciudad cobra vida, encendiéndose los faros y apareciendo seres de formas extrañas, similares a los yōkai; pero para su sorpresa y horror, sus padres han sido convertidos en dos enormes cerdos. Atemorizada, Chihiro es llevada por Haku secretamente a una casa de baños termales dirigida por la bruja Yubaba, donde el joven le dice que debe conseguir un trabajo allí hasta que él pueda ayudarle a recuperar a sus padres y a escapar. Así pues, con varios amigos que hace en el transcurso de la historia, Chihiro inicia una gran aventura para poder rescatar a sus padres.
• Mi opinión: continuando con nuestro homenaje a Miyazaki, esta semana he tenido la suerte de revisar una auténtica obra maestra del cine (de animación, si se quiere). "El viaje de Chiriro" es un desbordante ejercicio de imaginación del director, un espectáculo de inspiración torrencial de más de dos horas de ritmo trepidante, gracias a un fantástico guión que hace que la película se pase en un suspiro. "Belleza, poder, misterio y, por encima de todo, corazón.", así la calificaba James Cameron. Dulce, entrañable, tierna al mismo tiempo que terrible y estimulante, merece la calificación de clásico, que pocas películas alcanzan en nuestros días. E incluso es educativa, ya que el valor del trabajo se presenta como medio para superar los problemas, formar el carácter y demostrar el valor frente a las adversidades. Los personajes, inolvidables de nuevo, se estructuran en tres niveles: la protagonista Chihiro, con su compañero de sexo opuesto y misma edad Haku, y los personajes adultos de Yubaba (malvada, codiciosa, opresora) y su mitad complementaria en la figura de su hermana gemela Zeniba (bondadosa, comprensiva, cariñosa) que forman un juego de reflejos y dualidades. El segundo nivel formado por los secundarios que representan cada uno una cualidad que contribuye a configurar la personalidad del héroe. Y el tercer nivel, más difuso, de la identidad personal que entronca con el tema recurrente en la filmografía de Miyazaki de una sociedad que ahoga la esencia de los hombres en un mar de materialismo. Podemos rastrear estos tres estratos en todos los filmes que trataremos este mes. De hecho, la cuestión de la identidad es el eje argumental de la historia, ya que Yubaba domina a los demás robándoles su verdadero nombre. De esta forma, el director expone una verdad universal: si olvidas tu nombre, ¿cómo puedes saber quién eres en realidad?. De nuevo aparece aquí el viaje del héroe, que ya expusimos en la reseña anterior, y el factor ecologista, que aquí se manifiestan con una preciosa metáfora (ATENCIÓN, SI NO HAS VISTO LA PELÍCULA, NO SIGAS LEYENDO). Haku ayuda a Chihiro recordándole su nombre, pero se produce un espejo cuando Chihiro ayuda a Haku a recuperar su verdadera identidad al recordar como de pequeña estuvo a punto de ahogarse en el río Kohaku pero la corriente la salvó. Después de varios años, es ella quien salva al río que había olvidado su nombre al ser secado para la construcción de edificios. Es decir, el progreso mal entendido eliminando la naturaleza termina por borrar la identidad del hombre. Precioso.
• Recomendaciones: además de las ya aconsejadas en la reseña de "El castillo ambulante", os insto a que disfrutéis de la maravillosa música de Joe Hisaishi y Yumi Kimura. Y como divertimento podeis fijaos en el papel relevante que de nuevo tienen los elementos de comunicación vertical (en este caso tanto las escaleras como los ascensores) como metáforas de la superación personal.

El Castillo Ambulante

• Datos técnicos: Japón. 2004. Director: Hayao Miyazaki. Montaje: Takeshi Seyama. Dirección artística: Yôji Takeshige y Noboru Yoshida.
• Argumento: Sophie trabaja sin descanso en su tienda de sombreros. En uno de sus poco frecuentes paseos por la ciudad, Sophie conoce al mago Howl. Éste es un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. Sin embargo, a Sophie le da la impresión de que Howl esconde algo… El encuentro entre Sophie y Howl no ha pasado desapercibido para la Bruja del Páramo, quien odia visceralmente a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, haciéndose pasar por una clienta, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana que no puede revelar su verdadera identidad. Sophie se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. El mago vive en un castillo mágico que tiene la peculiaridad de trasladarse a voluntad de su dueño. Sophie se adentra en lo desconocido, en busca del castillo ambulante de Howl.
• Mi opinión (Hayao Miyazaki): iniciamos con esta película un nuevo mes temático, dedicado esta vez al genial Hayao Miyazaki. He decidido comenzar con este título ya que fue el primero que vi de su filmografía, lo que le otorga un cariño especial por parte de quién os escribe. El director debe estudiarse como un caso particular dentro del anime, convirtiéndose en un director de culto gracias a los filmes producidos en sus Estudios Ghibli. Su singularidad radica en la búsqueda de la belleza casi pictórica, la construcción de una realidad alternativa naïf, de tintes ecologistas y coloreada en unos maravillosos tonos pastel. Sus largometrajes deben considerarse como una "obra de arte total" mediante la participación de pintores, escultores o diseñadores. Sin embargo, sí algo destaca en todas las películas del director es el viaje de maduración del héroe, como muy bien analiza Miguel Ángel Oeste en su artículo "Aproximaciones al héroe en el cine de Hayao Miyazaki", cuya lectura os aconsejo. Así, el protagonista de cada film, que casi siempre es femenino, realiza un viaje similar al de los héroes mitológicos, dividido en tres etapas. La primera es el comienzo del viaje iniciático mediante la ruptura con la rutina cotidiana, que produce cierto adormilamiento, con la irrupción de lo fabuloso o sobrenatural. En la segunda, el héroe se ve obligado a superar obstáculos y contrariedades gracias a su fuerza de voluntad, a la vez que intenta crear un equilibrio entre el mundo real anterior y el fantástico en el que ahora se ve inmerso, hasta llegar a la tesitura final. Por último, el protagonista conseguirá superar esta prueba máxima anteponiendo el bien colectivo al suyo propio, y desprendiéndose de su yo anterior, la cotidianidad, para abrazar ese nuevo mundo poblado de interrogantes.
• Mi opinión (El Castillo Ambulante): Tras en encuentro con la Bruja del Páramo, la anteriormente apocada y aburrida Sophie, se trasforma en una enérgica y segura de sí misma anciana decidida a cambiar su destino. Así, el inevitable viaje físico es también un viaje mental que permitirá a Sophie conocerse mejor a sí misma y sacar a la luz sus verdaderas cualidades. Es delicioso el choque entre la bondadosa y fea anciana y el superficial, hermoso y narcisista mago, que deberán unirse para superar sus problemas y mostrar su auténtico yo. Todos los personajes secundarios son inolvidables: el espantapájaros mudo y servicial, el demonio Calcifer, la creída Bruja del Páramo, el perro viejo y sarnoso... Hay dos escenas que me parecen sublimes. La primera es el encuentro inicial entre Sophie y Howl, con el vuelo por los tejados de la ciudad. Pocas escenas hay tan sensuales consegidas con tan pocos recursos, incluso en los filmes con personajes de carne y hueso. La segunda, el ascenso de las eternas escaleras del palacio real. Una escena redonda, maravillosa, perfecta. Tampoco debemos olvidar la imaginería técnica de Miyazaki. Él quiso estudiar ingeniería aeronaútica y esto está muy presente en el derroche de inventiva que impregna los diseños de los aviones y barcos, que en esta película tienen especial peso al desarrollarse en mitad de un conflicto bélico. En resumen, una maravilla estética, fascinante, con personajes llenos de matices que luchan por el amor bucólico de colores suaves en medio de la oscuridad de la devastación del desarrollo humano.
• Recomendaciones: si queremos disfrutar de las películas de Hayao Miyazaki debemos realizar el mismo viaje que sus héroes, esto es, desprendernos de las normas y aprender a aceptar lo fantástico. Mantengamos la mente abierta, como los niños, sin sorprendernos de que la magia se esconda a la vuelta de la esquina. 

La Maldición de la Flor Dorada

• Datos técnicos: China. 2006. Director: Zhang Yimou. Intérpretes: Chow Yun Fat, Gong Li, Jay Chou, Liu Ye, Chen Jin, Ni Dahong, Li Man, Qin Junjie.
• Argumento: China, dinastía Tang, siglo X. En la víspera del Festival Chong Yang, miles de crisantemos dorados inundan el palacio imperial. El emperador y su segundo hijo, el príncipe Jai, regresan inesperadamente después de tres años en el frente. Su pretexto es celebrar las fiestas con la familia, pero teniendo en cuenta la fría relación que existe entre el emperador y la enferma emperatriz, parece que esta visita encierra otras razones ocultas. El Príncipe Wan, que se siente atrapado, sueña con escapar del palacio con su amor secreto Chan, la hija del Médico Imperial. Mientras tanto, el Príncipe Jai, el hijo fiel, se siente preocupado por la salud de la Emperatriz y su obsesión por los crisantemos dorados...
• Mi opinión: siguiendo con nuestro mes dedicado a Zhang Yimou, hoy nos toca analizar la película que cierra su trilogía del género wuxia. Aún siendo un film menos interesante que los dos anteriores, mantiene un pulso interno pulp, delirante y bastante freak que lo hacen irresistible. Un viejo proverbio chino dice: "Oro y jade en el exterior, podredumbre y decadencia en el interior". Exactamente así es la película: mientras que el envoltorio parece una preciosa cajita lacada china, el interior encierra unos personajes decididamente atroces y disfuncionales. El director lleva el cine de espadachines un paso más allá, creando un género híbrido combinando la ostentación visual con unos personajes basados en una de las obras teatrales del siglo XX más aclamadas de China, "ThunderStorm" de Cao Yu. La obra, escrita y ambientada en los años 30, dramatiza la desintegración de una familia adinerada de industriales. A pesar del escenario moderno, las luchas de clases por el poder de la obra son igualmente aplicables a los días imperiales; el rico patriarca controla su corporación y su dinastía familiar con el poder absoluto de un Emperador. El director Zhang Yimou, Wu Nan y Bian Zhihong trasladaron esta historia clásica ambientada en un imperio metafórico, al distante y casi de cuento de hadas Imperio Tang Posterior. Precisamente la labor del director se centró en lograr un equilibrio entre el contenido y el continente, siendo este último fascinante. La composición visual, el uso extensivo del dorado en decorados y trajes, las trasparencias de las vidrieras y telas del palacio, las gamas de colores son realmente únicas e inconfundibles. Un película hedonista, estéticamente fastuosa, voluptuosa y opulenta.
• Recomendaciones: no debemos olvidar la maravillosa canción de los títulos de crédito "Chrysanthemum Terrace", compuesta e interpretado por el propio Jay Chou e incluida en su disco "Still Fantasy", que recomiendo encarecidamente.  

La casa de las dagas voladoras

• Datos técnicos: China. 2004. Director: Zhang Yimou. Intérpretes: Takeshi Kaneshiro, Andy Lau Tak Wah, Zhang Ziyi, Song Dandan.
• Argumento: corre el año 859 a.C. y la dinastía Tang, una vez floreciente, ha entrado en decadencia. El malestar se extiende por todo el país, y el corrupto gobierno tiene que enfrentarse en todas partes con ejércitos rebeldes. El más poderoso es el de la "Casa de las Dagas Voladoras", que se está haciendo cada vez más fuerte gracias a un nuevo y misterioso líder. Dos capitanes, Leo y Jin, reciben la orden de capturarlo y para ello elaboran un minucioso plan. El capitán Jin finge ser un guerrero solitario llamado Viento y saca de prisión a la revolucionaria ciega Mei, que lo llevará hasta el cuartel general de la Casa de las Dagas Voladoras.
• Mi opinión: seguimos con el mes dedicado a Zhang Yimou y, tras volver a ver la película, me han quedado dos cosas muy claras. La primera, que Zhang Yimou es uno de los mejores directores de todos los tiempos, demostrándolo con cine tan sublime, tan inolvidable como esta película; un disfrute sensorial que te conmociona hasta lo más profundo. La segunda, Zhang Ziyi no es un ser de este mundo (de lo que no estoy segura es de que Takeshi Kaneshiro tampoco lo sea...). Gracias al éxito comercial de "Hero", su director pudo regalarnos esta película que sigue casi literalmente las reglas de las producciones de King Hu o de Tsui Hark, es decir, abandona la abstracción de la anterior para crear algo mucho más físico, un wuxia (aventuras entre espadachines generalmente en la exhuberancia de la naturaleza) más puro. Yimou contó con los mismos guionistas, Feng Li y Bin Wang, para centrarse en contar una oscura, desesperada historia de amor muy diferente a los sentimientos de entrega, heroicidad que primaban en la anterior. De hecho, aunque el estilo visual del director es inconfundible, mientras que en "Hero" se decantaba por paletas cromáticas monotonales, lo que tenemos aquí es una orgía de colores en cada escena (sinceramente, no creo haber visto tal cantidad de tonos y tan bien combinados en ninguna otra película). Tampoco podemos olvidar la exquisita música de Shigeru Umebayashi, que ese año también hizo los arreglos para "2046". De las muchas partituras bellas presentes en la obra de Yimou, esta puede ser la más desgarrada, la más sentida, la más atmosférica y la más psicológica. Los actores que forman el triángulo amoroso están sublimes en sus papeles y, gracias a las bondades del guión y a su interpretación, logran algo muy difícil: a pesar de la mezquindad de sus actos no eres capaz de tomar partido por uno de ellos, todos son igualmente víctimas y verdugos. A modo de anécdota, la famosa secuencia del campo de flores habría sido aún más espléndida si hubieran podido disponer de las flores de colores que Yimou quería para ella. Sin embargo, tuvieron muy mala suerte ya que las flores que plantaron un año antes (plantadas una a una) ya no estaban cuando pudieron volver, porque el brote de neumonía atípica de China les impidió salir del país y todo se retrasó. En resumen, un poema visualmente deslumbrante, el relato de una historia en apariencia sencilla pero que nos penetra y nos duele, nos ilumina y nos hace sentir la libertad del viento.
• Recomendaciones: es tan hermosa e irreal que creo que deberíamos verla con alguien a nuestro lado que, como a los generales romanos triunfantes, nos fuera recordando de vez en cuando que sólo somos hombres. O tal vez podamos olvidarlo durante dos horas!!!

Hero

• Datos técnicos: China. 2002. Director: Zhang Yimou. Intérpretes: Jet Li, Tony Leung Chiu Wai, Maggie Cheung, Zhang Ziyi, Chen Daoming, Donnie Yen.
• Argumento: China estaba dividida en siete reinos: Qin, Zhao, Han Wei, Yan, Chu y Qi. Durante años, los reinos lucharon por la supremacía. Como resultado, la población sufrió décadas de muerte y sufrimiento. El rey Qin estaba obsesionado con conquistar toda China y convertirse en su primer Emperador. Desde hace mucho era el objetivo de asesinos de los otros seis estados. De todos los aspirantes a acabar con él, ninguno ha inspirado más temor que los tres legendarios asesinos conocidos como Espada Rota, Nieve  y Cielo. El rey Qin prometió poder, montañas de oro y una audiencia privada con él mismo a cualquiera que consiguiera derrotar a los tres asesinos. Pero vencerlos es una tarea casi imposible. Durante diez años nadie ha estado siquiera cerca de reclamar el premio. De modo que cuando el enigmático guerrero "Sin Nombre" llega al palacio con las legendarias armas de los asesinos muertos, el rey se muestra impaciente por oír su historia. Sentado en el palacio, sólo a unos metros del rey, "Sin Nombre" comienza a contar su extraordinario cuento.
• Mi opinión: Inauguramos el mes de marzo dedicado a uno de nuestros directores favoritos: Zhang Yimou. En el año 2000 la industria cinematográfica sufrió una sacudida con la innovadora "Tigre y Dragón" de Ang Lee, una película de artes marciales que recuperaba la tradición de los filmes de King Hu y Tsui Hark y que ponía de acuerdo al público y a los críticos (ganó cuatro Oscars y dos Globos de Oro, entre otros premios). Su éxito provocó producciones tan ambiciosas como la trilogía dirigida por Zhang, compuesta por "Hero" (2002), "La casa de las dagas voladoras" (2004) y "La maldición de la flor dorada" (2006). La que nos ocupa hoy, "Hero", es una auténtica obra maestra, un film legendario, mítico, visualmente perfecto y, en muchos aspectos, superior a la popular "Tigre y Dragón". La utilización del color es magnífica: para narrar las tres versiones de la historia, cada una contada desde una perspectiva diferente, se utilizó un color temático (rojo, blanco y azul). No se trata de una elección al azar, ya que los colores tienen un gran contenido simbólico, ayudan a expresar los sentimientos y sensaciones y a que el espectador pueda captar mejor las ideas. El rojo simboliza la pasión y la imaginación; el blanco, la verdad; el azul, la realidad percibida y el verde, la iluminación y la paz. A los pocos minutos de empezar la película se produce la primera pelea entre "Cielo" y "Sin Nombre", y ésta es tan sobresaliente, tan impactante y sublime que crees que el director ha fallado mostrando un espectáculo visual insuperable al comienzo del filme. Y, sorprendentemente, cada pelea es mejor que la anterior, en una creciente disfrute que, aunque resulte contradictorio, alcanza su clímax con unas sencillas palabras de Tony Leung (Oh, Tony!!!!): "Para convencerte". Cada lucha está acompañada de una lluvia (de agua, de flechas, de hojas, de susurros, de seda) destinada a acariciar cada uno de nuestros sentidos, transformando así una pelea en un elegante ballet de emociones. Porque ésta es una película en la que los hombres dejan de ser hombres para convertirse en delicados elementos: fuego, agua, viento, arena...
• Recomendaciones: verla sin falta y en alta calidad. 

The Ring

• Datos técnicos: Japón. 1998. Director: Hideo Nakata. Intérpretes: Nakato Matsushima, Hiroyuki Sadana, Miki Nakatani, Yuko Takeuchi.
• Argumento: cuatro jóvenes han muerto después de ver un vídeo y, tras el final del mismo, recibir una llamada en la que se les anunciaba su muerte en una semana. Reiko, tía de una de las víctimas, investigará junto a su exmarido Ryuji la procedencia del mismo, lo que les llevará a conocer la existencia de Sadako, una chica cuya desaparición fue un tanto extraña.
• Mi opinión: "The Ring" fue la película que inició el boom por el cine de terror asiático a finales de los 90. Aunque consiguió que corrieran ríos de tinta sobre la misma a nivel nacional e internacional, nunca la había visto hasta ahora... y me ha encantado. Sobria y soberbia puesta en escena, el valor de la película reside en la capacidad de su director para redefinir el género de las kaidan eiga (películas de fantasmas) de los años 70, creando una nueva escuela. Nakata aprovechó la adaptación al cine de la primera novela de Koji Suzuki sobre Sadako (personaje que se ha erigido como figura de culto entre la población nipona) para dar un toque renovado y personal tanto a la composición narrativa como estilística de los antiguos films japoneses de fantasmas. De hecho, la película fue un fenómeno inaudito de explotación comercial, que traspasó fronteras y permitió la aparición de un nuevo cine de terror que sirvió como molde para toda una generación de cineastas, asiáticos y occidentales. Magnífica, perfecta.
• Recomendaciones: si no sientes escalofríos es que ya estás muerto. Eso reza el lema de la película. Y yo debo de estar muerta. Apreció su puesta en escena, su cuidada iluminación, sus perfectamente insertados efectos especiales, su música, sus giros argumentales y el inesperado final. He de reconocer que algunas de sus imágenes se me quedarán grabadas en la memoria (como la escena del fantasma y el televisor del exmarido), que toda la película he mantenido la tensión sobre que esconderá Ryuji y el futuro del niño y que el final me llevado a reflexionar sobre cosas bastante profundas (y eso ya es un gran logro para una película, más ahora que sólo aportan entretenimiento efímero). Pero debo de estar muerta, porque los escalofríos no los he sentido. 
• Enlace: http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=BBX8TIW8&confirmed=1